Post de Naiara Salinas De la creadora de la saga (inesperada y casual) "5 razones" sobre las series del UCM (véase las entregas de WandaVision y Falcon y el Soldado de Invierno), llega la tercera parte sobre una serie que ha roto mucho los esquemas dentro del entramado de la Casa de las Ideas. ¿Listos para conocer los entresijos del dios nórdico del engaño? 1. La recuperación del primer gran "villano" ¿Quién no se acuerda de aquella etapa adolescente marvelita en la que nuestros Vengadores principales iban siendo presentados al mundo poco a poco? Ya avivamos la nostalgia Rose y yo en nuestra crítica de Viuda Negra. Sin embargo, con los villanos siempre hemos tenido altibajos. Porque aunque la mayoría no estaban mal, realmente tampoco nos habían causado una mega impresión, no tenían un carisma o un talento demasiado digno de ser recordado. Todo cambió cuando en 2012 llegó Loki como primer desafiador del grupo. Porque sí, era tan magnánimo que hizo falta un grupo de seis para derrotarlo (que no pase desapercibido este dato, por favor). Y es que Loki no solo era un dios; colaboraba con el villano más grande que ha dado nunca el UCM (pista: empieza por T) y él solito robó el teseracto de la base escondida de S.H.I.E.L.D. y comandó un ejército de chitauri sobre Nueva York. Acabó derrotado, sí, pero no sin antes dejarnos grandes momentos e interacciones con el resto de los personajes, y es que, como digo, Loki es una de las figuras con más claroscuros y carisma de todo Marvel. No solo es un ladino pretencioso, sino que le guía mucha perspectiva y don de gentes. Y Tom Hiddleston lo interpreta de un modo tan, pero tan atractivo... que no es de extrañar que todo el mundo caiga ante su verborrea o su coreografía de lucha. El Loki que nos presentó la primera entrega de Los Vengadores era un Loki en busca de venganza por el abandono de su familia, en busca del poder, porque se creía con mejor capacidad que su hermano para sentarse en el trono de Asgard (y tal vez estuviera en lo cierto, vistos sus conocimientos amplios y su capacidad de supervivencia. Su punto en contra era su egoísmo, pero bueno, nada que no pudiera arreglar una madre). Caló tanto que nos permitieron seguir disfrutando de su evolución a lo largo de la trilogía de Thor y Los Vengadores, hasta su fatídico final. Pero, gracias nuevamente a Endgame, esta serie recupera a ese Loki súper badass y egoísta de 2012 que consigue escapar con el teseracto aprovechando una distracción. Y aquí hay que destacar el esfuerzo de Tom por retroceder en todo el progreso psicológico que había logrado y devolvernos a ese miserable astuto experto en fugarse y recibir palizas de todo dios (nunca mejor dicho). Es como si Marvel dijera: "¿Os acordáis de cuando Loki se comportaba así? Qué buenos tiempos, ¿verdad?" No solo somos testigos de eso, sino también de cómo ese Loki encuentra un nuevo camino hacia su humanidad, hasta el punto de sacarnos la lagrimita y todo. Porque nunca fue un villano puro, sino un ser incomprendido. 2. El tiempo como dominante Mi mayor enemigo, al que me enfrento cada día sosteniendo la agenda cual escudo del Capitán América, es el eje supremo en torno al que gira la trama, pues cuando en Endgame nuestros héroes viajan al pasado para recopilar las gemas del infinito abren una puerta hacia agujeros, huecos nuevos, bucles en otros casos... Variantes. La prueba es la fuga de Loki, que inicia una nueva línea temporal donde lo que ocurre entre 2012 y 2019 se tergiversa posiblemente favoreciendo al dios, pero nunca lo sabremos porque, antes de que pueda disfrutar de esa nueva vida, es capturado por agentes de la AVT. ¿Que qué? Así como S.H.I.E.L.D. cuida la Tierra de amenazas alienígenas y demás, la AVT es una agencia encargada de controlar que nada se salga fuera de lo normal en la línea temporal. Porque eso de las variantes es más habitual de lo que parece, pero menos mal que ya veníamos entrenados con Regreso al futuro, Dark, Agents of S.H.I.E.L.D., Atrapado en el tiempo, Doctor Strange, Terminator, El Ministerio del Tiempo, Harry Potter, etc., etc., etc. Por lo que al final no nos causa demasiada impresión; la idea de las oficinas y el sistema burocrático es muy chula pero no novedosa (en El Ministerio del Tiempo, repito, se adelantaron). Lo que sí hay, como es habitual, es mucha confusión inicial, aunque no dura porque otro de los puntazos de Loki es lo ingeniosamente sencillo que hace parecer todo con un mero recurso de holograma informativo a lo señor ADN en Parque Jurásico (aquí se llamaría señorita Minutos). Y aunque yo el tema del tiempo, pese a nuestra enemistad, lo disfruto mucho, siempre se agradece la sencillez cuando vamos a hablar de agujeros de gusano y ramas temporales, aunque sea de modo enmascarado en una sede con su tecnología avanzada y su propio sistema de erradicación de subtramas. 3. El gran trazo del multiverso En verdad la idea que se queda cuando acaba la primera temporada (y por una vez podemos enumerar temporadas porque ya ha sido renovada) es que el tiempo puede llegar a ser muy caótico. Y con esa idea del caos y Wanda conectando por fin con su magia, solo cabe un pensamiento... Doctor Strange 2. Bueno, y Spider-Man: No Way Home también. Llegados a este punto las series del UCM se dividen en: conexión con el multiverso y conexión con la línea temporal principal. Creo que ya podemos ir clasificando cada serie estrenada este año en uno de estos dos cajones; siendo el primero el conflicto principal que marca la fase 4 y que más que posiblemente justifique la presencia de otros héroes como Shang Chi y los Eternos, quienes, recordemos, "no interferían nunca". ¿Qué mejor excusa que (SPOILER ALERT) una ruptura del tiempo? (FIN SPOILER ALERT). Mientras tanto, el segundo cajón incluye esas tramas que suponen la cuenta pendiente con otros personajes de las anteriores fases que no han gozado de película propia pero claramente han mostrado una evolución en sus aventuras en equipo. Ese es el grupo de la acción entrenada en lugar de mágica, por lo que sí, lo habéis entendido, Loki va unida a WandaVision y es de esperar que Hawkeye sea del grupo de Falcon y el Soldado de Invierno. Mi clasificación no es gratuita: cada serie se va a asemejar en formato y en repercusión argumental a su compañera, y aunque Loki no llega a ser tan original como WandaVision, lo bizarro se lo lleva a su terreno. 4. Una aventura alokinante Desde que acuñé ese término a la serie, no me despego de él (me encariño muy rápido con mis palabrejas inventadas, pero en este caso concreto es que más no pudiera haber dado en el clavo con Mjölnir). Aunque es cierto que le cuesta orientar su propósito casi tanto como a WandaVision, cuando lo desvela el resultado es un viaje maravilloso lleno de conflictos internos inesperados, como el hecho de tener que lidiar con otras versiones del mismo personaje, vivir un romance breve pero intenso con una de ellas y para colmo proteger el universo de los que afirman estar protegiendo el universo. Sin duda la mejor parte de la serie no es su trama, sino sus protagonistas; está creada para lucir a esa pareja que conforman Loki y Sylvie, los cuales nos regalan momentazos y grandes diálogos. Sin olvidarnos de los secundarios como Mobius, por supuesto. Marvel continúa fichando actorazos como un seleccionador de fútbol que quiere ganar el mundial y adelantando presencias importantes. El mayor acierto del salto a Disney Plus está siendo el enfoque en estos individuos, que ganan muchísimo psicológicamente. El desarrollo de este Loki es más especial que el de las películas porque en esta ocasión lo vivimos por entero, siendo él el protagonista, y no a través de los ojos de otro, cosa que me parece preciosa. Y no faltan los homenajes que nos dan más de una sorpresa. Así como con WandaVision las teorías surgían solas y más o menos nos podíamos anticipar al final, con Loki cada episodio es un "A ver dónde derivará esto", porque continuamente se introducen elementos nuevos que desembocan estratégicamente en un nuevo misterio y una nueva aventura, sin abandonar la coherencia con el resto de los guiones. Es natural pensar que es de locos y optar por dejarse llevar en vez de buscarle el sentido, y por eso es alokinante. 5. La belleza de lo inusual
No solo los personajes son el atractivo, sino también el espacio, especialmente el concepto que le brinda al tiempo como algo hermético y aprisionado, mediante la predominancia de los marrones, grises y naranjas frente a los morados, azules y verdes de la magia, el exterior, los Lokis...: el caos, las pesadillas. La serie nos deja una fotografía espectacular al moverse por diferentes dimensiones que persiguen en todo momento el contraste sin cortarse un pelo; por ahora la que más me ha gustado y la que más expresa de ese extraño mundo que se nos acaba de introducir. ¿Y a vosotros qué os ha parecido Loki?
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Post de Naiara Salinas Junio: empieza el verano, San Juan, fin de curso, vacaciones, graduaciones. Nada deseas más que salir ahí fuera y disfrutar de todo lo que el mundo ofrece tras meses de intenso trabajo (para los que tienen ese paroncito de tres meses, al menos). En tu mente todo es tan maravilloso que es normal que pienses que por un momento el universo se va a detener para dejarte disfrutar de la playa, el chapoteo, el turismo, etc. Incluidas las series. Pero... ¡sorpresa! Estas no se detienen. NUNCA se detienen. Pero no te preocupes, todos en algún momento de la vida nos hemos dejado engañar para no estresarnos demasiado. Y es que, aunque suene a leyenda urbana, antiguamente, cuando no había plataformas de streaming (parece mentira pensar en una época así, ¿verdad? ¿Qué vivíamos, cuando Cristo perdió la chancla?), sí era habitual que las series realizasen un parón veraniego para comenzar a rodar las siguientes temporadas y dejar que los programas y los concursos de verano se zamparan la parrilla. ¡Viva el Grand Prix! ¡Viva Furor! Y cuando no había suficientes concursos, empezaban las reposiciones y los estrenos de series extranjeras que fácilmente podrías haber pirateado hace tiempo o visto en la tele por cable. Por ejemplo, Arrow la vi por primera vez un verano. Juego de tronos la empecé en Antena 3 otro verano. Smallville y El coche fantástico en La 1, Perdidos en Cuatro, las series infantiles de los fines de semana... Francamente, aunque tú lo creyeras, las series nunca han dejado de aparecer en tu temporada de relaxing mojito con alcohol in Salou. El caso es que desde existe nuestra tríada poderosa (más Disney Plus, más Apple TV, más X, más Y, más Z) el volumen de estrenos no es que se haya multiplicado, es que se ha cuadratripleultramultiplicado y desde entonces hay que tener una agenda para las vacaciones. Sí, una agenda para las vacaciones. ¿Trauma? Pues habrá que organizarse el tiempo para poder verlo todo y seguir disfrutando del ocio al aire libre en esta cultura del consumo que nos han impuesto, ¿o qué? Ahora en serio, si por lo general la agenda de un/a/e bloguero/a/e está a reventar, en verano todavía más, porque todos nos merecemos unos días fuera del búnker, besar a nuestros padres, primos y parejas, así como recordarles a nuestros amigos que existimos y no nos hemos mimetizado con el televisor u ordenador. Pero, claro, la gente que tiene auténtica libertad de pronto puede suceder que se aburra y entonces recurra al catálogo de series y películas de las que seguro que espera que le hable alguien, porque con tanta oferta hay que seleccionar sí o sí. Y no hablemos ya de las noticias, el salseo... No hablemos siquiera de la Comic-Con, por favor. No hablemos. Con esta breve declaración (ahora los influencers lo llaman statement porque suena más... ¿inglés? ¿Fancy?), yo, bloguera, youtuber según me da y humana que solo quiere unas vacaciones... me dispongo a ir comentando algunas series que se acaban de estrenar, prácticamente, para que todo el que desee tener alguna novedad breve con la que entretenerse por las noches cuando cierren los bares... sepa que existen. Solos Como Amazon Prime y yo no pasamos demasiado tiempo juntos, es justo que utilicemos estos meses de cócteles para ponernos al día. Tras conocer esta antología de la mano de varios blogs, me lancé a ella sin dudarlo y acabé profundamente conmovida. Solos, de primeras, es la Black Mirror de Amazon, dado que nos ofrece ocho historias autoconclusivas en siete episodios donde la base es la tecnología, cómo se emplea y qué relación tiene con ella cada personaje. Así, episodio tras episodio se nos presenta un futuro no tan futuro, distópico, utópico o "normal", donde la tecnología ha conseguido avances de ciencia ficción como viajar en el tiempo, robar y comercializar con recuerdos, contratar a un clon para ayudarte con tus citas... Pero lo hace con una perspectiva más intimista y filosófica que Black Mirror, existencialista incluso, ya que si algo tienen en común todas las historias es cómo cada cual capitanea un barco que navega solitario en un océano demasiado inmenso de posibilidades donde las redes no siempre pescan lo que se desea. Si hay un momento en el que la asociación poética entre internet y el mar cobra mucho sentido es este, donde se explora la soledad real de los usuarios en un mundo falsamente interconectado, puesto que este divide más que une. Pero la tecnología no debe verse como una villana, como puede parecer, ya que en todo momento dialoga con el protagonista de cada capítulo (a su manera, algunas veces más directamente que otras) para obligarle a enfrentarse a la quimera que ha propiciado el enganche. Porque en esta (mini)serie no hay sueños normales, sino quimeras, fantasías, fruto de una obcecación malsana que causa que los personajes se autoengañen creyendo que la tecnología de turno servirá para arreglar su vida, en vez de lidiar con el problema de frente y admitir todo lo que como seres humanos nos da miedo: que somos un torrente de emociones e impulsos que no siempre podemos controlar, por más que tratemos de objetivarlos con una inteligencia artificial. Y vivir en esa fantasía es lo que acaba por dejarnos solos mientras el resto del mundo se rehace y sigue caminando. La tecnología (no tan) futurista de esta producción viene a ser el pobre intento de socializar y charlar con nuestra conciencia. Es algo que se ve en los capítulos de Leah, Jon, Peg, Jenny y Sasha, donde conversan con avatares idealizados de sí mismos, cuando no ante la nada o un robot. En definitiva, Solos es el mejor exponente de la demencia social a la que puede que haya hecho referencia en la intro con otras palabras. O quizá es la que me ha motivado a escribir esas palabras al darme cuenta de que sin tecnología tampoco se está tan mal, quiero decir, que no la necesitamos a todas horas. Que hay cosas más importantes (como un buen gofre salpicado con nutella sobre una toalla de playa en una torre de la Gran Muralla china. Ñam...). Ahora bien, al igual que sucede en Black Mirror, tiene sus altibajos: no todos los relatos calan por igual, cada cual contiene sus matices. Si tuviera que escoger, me quedaba con el primero por cómico y con el último por bello, profundo y el dúo que conforman Dan Stevens y Morgan Freeman. Porque sí, la serie tiene estrellas para dar y regalar, más desconocidos interesantes. Y su propuesta resulta más que apta para ponerse sobre tablas, porque los escenarios de todos los episodios tienden a ser muy minimalistas y se emplea un recurso muy inusual en el formato seriegráfico: el monólogo (y sin que sean chistes). El trabajo de los actores que están solos frente a la cámara se vuelve muy importante para atrapar al espectador y cautivarnos con su mera narración. Por ese riesgo podemos confirmar los altibajos, de hecho, ya que en algunos casos sale muy bien y en otros, menos. Lo mejor de todo: cada episodio dura solo veinte minutos, vaya, son más bien cortometrajes, así que es compatible con cualquier plan que quieras hacer el mismo día. Leonardo No hace tanto de la vez en que os hablé con todo lujo de detalles (pero sin spoilers) de Los Medici, esa serie de Frank Spotnitz producida por Rai TV que descubrí el año pasado y me cautivó desde el minuto cero. Los mismos responsables (en asociación con RTVE) vuelven ahora con la miniserie Leonardo, de ocho capítulos (por continuar con la tradición), donde se indaga en las peripecias del aclamado artista, inventor, ingeniero y un sinfín de cosas más, modelo de hombre renacentista...: Leonardo Da Vinci. La fascinación por esta figura histórica no es una sorpresa para nadie. Seguramente muchos recordamos todavía Da Vinci's Demons; también tuvo un par de cameos en Los Medici, cómo no. Inspiró El código Da Vinci, "apareció" en El secreto de la pirámide y hasta tuvo una adaptación infantil protagonizada por el Jonathan Bailey que ahora triunfa con Bridgerton. El propio programa con el que hago pequeños trucos de magia audiovisual de vez en cuando se llama DaVinci (y lo amo por ello). Nadie duda de que es un personaje interesantísimo con múltiples posibilidades, un hombre ilustrísimo con sus polémicas, sus misterios... Por supuesto que Spotnitz no iba a abandonar el Renacimiento sin echarle el guante. La trama de la serie se construye como un relato policiaco de época, en el que asistimos a un presente muy negro para la tortuga ninja de vendas azules (con el rostro de Aidan Turner), en prisión por el supuesto asesinato de Caterina de Cremona (Matilda de Angelis, joven despuntando). Freddie Highmore interpreta al comisario encargado de interrogarle y arrancarle una confesión, Stefano Giraldi. No busquéis su nombre en Google porque no es un personaje real, sino creado para conveniencias del guion. Da Vinci comienza a contarle a Giraldi la historia completa desde que conoce a esta muchacha en el taller de su maestro Verrochio, seguido de cómo su relación va evolucionando en paralelo al ascenso de Da Vinci y los acontecimientos socio-políticos. Comparado con Los Medici es una serie que se recrea mucho más y que sacrifica parte del historically accuracy friendly en virtud de la exploración de este genio que, al igual que el Lorenzo de Daniel Sharman y el Cosme de Richard Madden, llega al pico y se derrumba antes de llevarse la revelación de su vida. A aquellos que siguieron mi recomendación (o no) y se vieron Los Medici primero les sonará la estrategia estructural de esta serie que, como la primera temporada de su prima mayor, juega todo el rato con el contraste entre presente y pasado para desentrañar la gran incógnita: quién mató a Caterina y por qué. Pero el enfoque no es el mismo, dado que el protagonista no es un hombre poderoso, sino un artista que empieza desde lo más bajo. Es como si Sandro Botticelli fuese el foco principal de Los Medici (lo que hubiera sido, al menos). Y a pesar de que esta miniserie renueva a casi todo el reparto (se mantiene solo Alessandro Sperduti), la permanencia del resto del equipo y el amor italiano por su cultura causan que existan muchísimas referencias, algunas muy sutiles pero fácilmente reconocibles para los fans de la prima, por lo que se siente como un spin off que satisface a aquellos que se quedaron con ganas de más arte la primera vez. Esta vez importa más la obra que la historia, y eso es lo que la convierte en un deleite para esos fieles seguidores (que no se librarán de repasar sus conocimientos para cuadrar fechas y personajes). A mí me gusta decir que una te da la perspectiva que necesitas para comprender el periodo entero y la otra, el valor de un artista. Sin embargo, narrativamente no me deja la misma huella que su predecesora (¿o debería decir coetánea? Ambas están ambientadas en el mismo periodo, con unos años de diferencia namás). No se trata de que la trama no sea interesante, ni tenga un final digno (de hecho el último episodio es uno de los mejores, súper apoteósico), ni los personajes estén bien construidos, sino de que pasamos menos tiempo con ellos y de que la línea no es tan directa. Los episodios casi parecen autoconclusivos, pues en cada uno de ellos se homenajea un trabajo del artista, son como revisiones de los momentos más destacados de su biografía, con el interrogatorio de Giraldi como hilo conductor principal. Es una estructura que funciona, no está mal, pero que a la vez siento que nos priva de algunos detalles. También marca una distancia con la ficcionalidad. O puede que sea cuestión de gustos y después de lo que me fascinó Los Medici no crea que se le puede superar, aunque en realidad me deja una sensación muy parecida a la de la primera temporada, solo que Leonardo es un poco más ambiciosa. Técnicamente sí puedo afirmar que mantiene la impecabilidad, lo cual era una de las mejores partes de la predecesora junto con el reparto. La música, el vestuario, la fotografía... Todo mantiene la misma calidad. Puede parecer una serie pequeña, pero nunca se la podrá tachar de fea ni superficial. El metraje habla el lenguaje de la belleza espiritual, pero también de la autenticidad, con la que conecta la ideología artística de Leonardo, quien no solo aspira a lo improbable, sino que quiere captar la esencia de las cosas. Como punto final, aplaudo el trabajo de todo el reparto, en especial de Turner, Highmore (siempre un placer verlo crecer como actor) y De Angelis, que me está sorprendiendo gratamente y diría que es la actriz con mejor energía de todos. No creía que me fuese a interesar tanto pero ha terminado siendo de mis favoritos en esta serie. Y, por supuesto, Carlos Cuevas, que interpreta a un ladrón que se convierte en aprendiz de Leonardo (otro de los que me gustan). Siempre es agradable ver a españoles haciendo sus pinitos a nivel internacional y este chico va a llegar muy lejos si sigue así. ¿Qué, entonces? ¿Os hace un maratón veraniego en el Amazonas?
Post de Naiara Salinas Érase una vez, una pandemia de un virus mortal nunca antes visto que asoló el planeta. En cuestión de semanas, todo estaba patas arriba: el mundo se había sumido en la anarquía; la gente asaltaba supermercados; la mascarilla dejó de ser una prenda única de médicos, superhéroes y villanos; los hospitales estaban a rebosar de pacientes y la naturaleza se abrió camino ante la ausencia de humanos. Por supuesto, no faltaron las teorías de la conspiración que buscaban derrumbar cualquier intento de orden. Podría estar resumiendo 2020, de no ser por un pequeño detalle: en medio de esa vorágine, sucedió un milagro: empezaron a nacer bebés híbridos con partes de animales. No, no había relaciones extrañas detrás. Así empieza Sweet Tooth, el último estreno fantástico de Netflix. Y sí, también tiene origen literario, en concreto el cómic homónimo de Jeff Lemire. Aventuras para todos los públicos Como viene a ser costumbre últimamente, Sweet Tooth nos presenta otro entramado de líneas argumentales que siguen un desarrollo paralelo hasta que se entrecruzan, siendo el eje central la protagonizada por Gus (Christian Convery), un niño medio ciervo con tanta gula que inspira el título de esta producción. En un mundo lleno de cazadores que desean eliminar esa nueva raza sospechosa de ser un resultado del virus, Gus crece de forma aislada con su padre en medio del parque natural de Yellowstone, sin ser consciente de lo que sucede más allá, hasta que la tragedia asoma por la puerta y el pequeño se ve en la obligación de espabilar y embarcarse en un viaje peligroso a Colorado para obtener respuestas. Por supuesto, a pesar de apañarse un pelín viviendo solo, no le falta un guardián, Jepperd (Nonso Anozie), alias "Grandullón", un ex cazador con adicción a las pastillas que vive con la culpa de sus pecados. "Goloso" (apodo del chiquitín) y "Grandullón" van encontrándose con distintas aventuras y obstáculos a lo largo de los ocho capítulos que componen la primera y por ahora única temporada: familias que también viven aisladas cumpliendo a rajatabla las medidas anti... como se llame ese virus; niños perdidos que creen que los híbridos no son el problema, sino la solución; cazadores; trenes que o llegan tarde o se pierden... En uno de estos episodios conocen a Oso (¿o debería decir Osa? Bueno, el doblaje es el que es), una adolescente (Stefania LaVie Owen) que se encariña enseguida con Gus y decide ayudarle a encontrar a su madre. Pero de forma paralela a esa historia con tinte más infantil-juvenil, tenemos las de dos adultos. El primero es el doctor Singh (Adeel Akhtar), cuya esposa ha logrado sobrevivir al virus con ayuda de un medicamento experimental de una doctora que, antes de retirarse, deja toda su investigación en manos de su compañero para que sea él el responsable de encontrar la cura definitiva. La segunda es Aimee (Dania Ramírez), una mujer que, tras vivir completamente confinada, encuentra a una bebé híbrido y decide criarla y abrir la Reserva, un santuario para proteger a todos los niños mestizos de las sucias manos de los cazadores. A pesar de que la serie se narra como un cuento infantil, el argumento y la estructura diversificada que sigue la dotan de una perspectiva muy madura donde se ponen en jaque cuestiones morales importantes, entre ellas los límites a los que estamos dispuestos a llegar por aquello en lo que creemos. Pero ante todo es una historia ecologista que defiende el valor de la naturaleza y juzga duramente a la humanidad por su trato sobre esta, echando la mirada en las consecuencias que tiene la experimentación y la destrucción de los recursos, no solo para con la vida terrestre y demás, sino también para con el orden social, aunque también deja la puerta abierta a los milagros y la esperanza de una regeneración. Un mensaje que hoy en día debería calar (se puede decir más alto, pero no más claro). Sin estar 100% segura de su fecha de producción, la trama toca la fibra sensible del espectador lo suficiente como para que esta se contemple con gracia y respeto al mismo tiempo. No obstante, no hay que olvidar que, aunque sea una adelantada a su tiempo, sigue siendo una ficción que parte de unos cómics, por lo que achacar su estreno a los tiempos que hemos vivido resulta un tanto injusto. Por ese toque oscuro argumental el tono que asume toda la narración es el ideal, al dejar que aflore la inocencia de los niños y su comicidad aun siendo conscientes de que no todo lo que ocurre a su alrededor es un paraíso y diversión. Se trata de personajes que sufren pérdidas y aprenden a reconstruirse apoyándose los unos en los otros en un viaje con tantos afluentes que no puedes esperar para ver dónde desemboca. Una producción muy cinematográfica Sweet Tooth tiene la ventaja de tener al gran Robert Downey Jr. (y esposa) como productor ejecutivo y su puesta en escena es tan magistral que bien hubiese valido para presentarse en salas más que en varios capítulos de una plataforma, aparte de por la sinopsis. Y es que una pantalla grande, por mucho que no tenga nada que envidiarle a estas alturas la pequeña, le sentaría genial a su bella fotografía, que se mueve continuamente entre lo sombrío y lo luminoso, con mucha escena nocturna (hasta siniestra), pero también sol, marcando las dos vertientes del relato, que aborda la crueldad de los hombres y la lucha de los personajes por encontrar o mantener la positividad. Por no hablar de un CGI bien colado que nos deja unos híbridos súper achuchables. Era una sensación continua mientras la veía, la de que hubiera sido una buena apuesta para los cines (o al menos una película de streaming), pues, aunque cada episodio se resuelve buenamente y acrecenta el interés, ¿de verdad la idea no hubiera sido viable para un metraje de dos horas y pico? Hombre, a lo mejor nos perderíamos más detalles de la trama, nos perderíamos parte del ritmo contemplativo que explora la psique de los personajes..., pero seguiríamos teniendo la esencia y quizá se tomaría un camino más directo hacia el cierre, que es lo que no sucede aquí. Creo que es la primera vez que he pensado: "Me encanta esta historia, pero... ¿de verdad necesito saber tanto para disfrutarla?" Precisamente, la referencia que más vino a la cabeza durante el visionado fue la adaptación cinematográfica de Peter y el dragón, de Disney (por el protagonista, que me recordó bastante a Peter; por su toque aventurero, su mensaje a favor de la protección de lo salvaje, etc.). El éxito de las adaptaciones literarias en formato serie está ocasionando una pérdida del género fantástico en el séptimo arte, que prefiere nutrirse de acción a raudales, cuando no de terror o dramas independientes. Y no estoy en contra de la decisión, sobre todo considerando la calidad tan excelente de las producciones para televisión del presente (incluida esta, que es otra delicia audiovisual), aunque a veces me pregunto si es directa o se la replantean, sobre todo en el caso de la todopoderosa Netflix, que se ha vuelto una tirana con las renovaciones y deja más cosas inacabadas que a la inversa, cosa que no hace con sus largometrajes. Nada me gustaría más que ver a Gus y CIA llegar al final de su aventura, por lo que me es inevitable preguntarme qué es mejor para que esto suceda. Así como a ciertas sagas largas les veo más futuro como serie, también opino que no porque la fantasía haya sufrido en taquilla debe renegar de ella, ya que todavía hay historias de enorme calidad como esta que pueden revitalizar la noción que tenemos del género en el cine (en otras palabras: que no se diga que todo filme con estas características es un truño).
Por ahora no puedo más que recomendarla y animar a todo aquel que me esté leyendo a verla. Es bonita, curiosa, tierna, alegre, triste, madura y esperanzadora. Muy bien otra vez, Netflix. Post de Rosana Rábago¡Hola, hola, allscreeners! He vuelto y tenía que hacerlo con nuestro querido, adorado, amado y añorado Lucifer que regresa con una segunda parte de su quinta y penúltima temporada que no dejará indiferente a nadie y de la que hablaré en la siguiente review que, para organizarnos, se dividirá en las que yo considero que han sido las tres líneas argumentales principales de esta nueva tanda de episodios. Pero no puedo comenzar sin avisar de que aquí habrá SPOILERS y de que no continuéis leyendo hasta haber visto a Luci hacer de las suyas. Dicho esto, ¡empezamos! 1. El padre ausente hace acto de presencia La 5A terminaba cuando aquí Dios, aka el padre de Lucifer, Michael y Amenadiel, hacía acto de presencia para ver qué leches estaba pasando entre Luci y Amenadiel y así es precisamente como comienza esta 5B. Pero lo que parecía ser una visita puntual pronto se convierte en algo más duradero y es que Dios decide que la Tierra es un buen lugar para hacer una cena familiar y para enamorarse más del pequeño Charlie, su nieto, al que aun no conocía. Tras una cena familiar de lo más inusual (y divertida, añadiré), Dios toma la decisión de ordenar a Michael que regrese al Cielo. Todos pensábamos que ahí acabaría la trama de Dios, pero no, pronto descubrimos que Dios ha decidido quedarse para poder reconectar con Amenadiel y, especialmente, con Luci, cosa que a nuestro diablo favorito no es que le haga mucha gracia. Y es que, claro, que papi se quede a vigilarte después de años de lo que podríamos denominar "radio silence" no hace demasiada ilusión a nadie. Sin embargo, esta reunión pronto traerá más quebraderos de cabeza a nuestros ángeles y es que resulta que, podríamos decir, la Tierra interfiere con los poderes de aquí Dios. Y pronto comienzan a suceder cosas extrañas, como que cada vez que Él aparece la gente se lía a cantar y bailar. Pero, oye, esta es la excusa para darnos el episodio musical del que tanto nos habían hablado y uno de mis favoritos de la 5B. ¿La solución a esto? Pues nada, deshacerse de sus poderes (¿en serio? ¿Se puede?) y dejarlos ocultos en un sitio que ni Él mismo puede recordar para vivir una vida normal. Esto, quizás, supone para Lucifer el primer paso para reconciliarse con Dios y es que a pesar de todas sus disputas, sigue siendo su padre y verle indefenso y desprotegido hace que Luci comience a preocuparse, y mucho, por su padre. También aquí se abre una subtrama que me parece que se debe mencionar y es el hecho de ver a una Maze deseando ser algo más humana, con un alma que la permita ir al cielo porque ve que la vida de diablesa no es para ella. Al principio Dios le dice que va a ser que no (aquí de nuevo me pregunto: ¿es capaz de deshacerse de sus poderes pero no de darle un alma? A mí que alguien me lo explique) pero más adelante descubrimos que quizás no se la puede dar porque ya está creciendo una en su interior (que también se lo podría haber dicho a la muchacha en lugar de desilusionármela). Pero volviendo a la trama principal, el hecho de que Dios pierda sus poderes nos lleva a la segunda línea argumental de la 5B y es que Dios se ha dado cuenta de que ya está viejo para continuar con el trabajo. Y para ello, nada mejor que una buena y merecida jubilación. 2. Dios decide jubilarseNunca una jubilación había dado tanto de sí (y eso que, teniendo en cuenta que soy de las pocas que ve Dynasty, debería estar acostumbrada) pero es que, claro, una cosa es que Dios se jubile y otra muy distinta que el puesto pueda quedar vacante. Y ahí es donde comienza la trama principal de esta temporada: en saber quién sucederá a Dios. Al principio la cosa está bastante clara y es que todo el mundo (y con eso nos referimos a la mayoría de los hermanos ángeles) apoya a Amenadiel. ¿El problema? En el último momento él decide que no le apetece eso de ser Dios y perderse ver a su hijo crecer, así que decide apoyar la candidatura de Lucifer. No debemos olvidar que Amenadiel ha visto cómo ha cambiado el diablo a lo largo de toda la serie pero, para el resto de sus hermanos, él sigue siendo la oveja negra de la familia y no contará con su apoyo tan fácilmente. Además, Michael también presenta su candidatura y, de buenas a primeras, nadie sabe la que armó en la Tierra y Dios decide omitirlo, por lo que cuenta con el apoyo de la gran mayoría. Pero, oye, eso mejor que lo solucionen entre hermanos que aquí papi se ha reconciliado con mami y mejor que se vayan a su universo (sí, aquí soy un poco crítica pero es que me parece que ambos se lavan las manos muy pronto y dejan que todo se arregle después de una disputa entre hermanos en la que nunca Dios intenta interferir). Y es que precisamente el irse tan rápido es lo que desencadena que, en lugar de hacer una transición limpia, uno de los ángeles (Gabriel para ser exactos) se alíe con Michael y traiga de vuelta del universo de su madre cierta espada, la única capaz de acabar con la existencia de los ángeles, y vaya a caer en las manos equivocadas, es decir, en las de Michael. Esto, unido a (ATENCIÓN ALERTA MEGA SPOILER) la muerte de Dan en manos de Michael en un esfuerzo por rearmar la puñetera espada y así matar a Lucifer o, en su defecto, conseguir que Chloe al morir debido a su culpa vaya al infierno y así mantener a Lucifer a raya ahí, hace que al final los dos gemelos entren en una pelea a muerte por ver quién será el nuevo Dios que comienza, cómo no, con un intento de distracción en forma de baile (en serio, vivo por estos momentos). Ahí, la gran damnificada es Chloe, que muere cuando Michael le clava el báculo del árbol de la vida y vemos cómo al fin Lucifer es capaz de decirle dos palabritas mágicas que la pobre mujer llevaba queriendo oír toda la temporada: "Te quiero". Y, también, nos lleva a la tercera pata de estas líneas argumentales: la relación entre Chloe y Lucifer. 3. La relación entre Chloe y LuciferClaramente la tercera línea argumental y, es más, la línea argumental de toda la serie, es la relación amorosa entre Chloe y Lucifer y cómo Lucifer se va reformando gracias a esta detective. Y aquí queda más claro que nunca. No solo no nos han dado peleas estúpidas (a estas alturas de la serie era innecesario), sino que vemos cómo Chloe está dispuesta a sacrificar todo por permitir a Lucifer ser el nuevo Dios. Y más cuando descubre que la razón principal por la que hacer todo esto es por ser digno de su amor (cosa que, adelanto, tampoco era necesaria). Es más, es capaz de dar su vida (y de hecho, la da) y dejar a la pequeña Trixie huérfana (recordemos que había perdido a su padre en el capítulo anterior). Sin embargo, Lucifer también está dispuesto a arriesgarlo todo por ella y decide volar al cielo (a pesar de que esto le lleva a la muerte) solo para traerla de vuelta. Además, se siente terriblemente culpable al averiguar que Dan está seguramente en el Infierno (porque Amenadiel no le ha encontrado en el cielo) y no quiere que Trixie se críe sin su madre. Por ese motivo, no duda ni un momento y vuela al cielo y convence a Chloe de que regrese mientras él ocupa su lugar y muere por ella. Si eso no es amor que venga Dios y lo vea (vale sí, era un chiste fácil). Y claro, ese sacrificio hace que Lucifer se redima por completo. Y vuelva, ¿sabéis cómo? Siendo el nuevo Dios. Y justo ahí nos lo dejan, con Lucifer como nuevo Dios y con mucha intriga por saber cómo continuará la sexta y última temporada de esta serie que Netflix rescató de la FOX (y menos mal) y que contará con únicamente seis episodios (un número muy diabólico). Para acabar, he de decir que esta temporada me ha gustado bastante, aunque no voy a negar que algún capítulo (como el de Dan) se me hizo algo pesado y de relleno, pero oye, lo bueno en este caso supera a lo malo. Se notaba un poco que estaba pensada como última temporada originalmente (antes de la renovación), no solo por la gran trama divina que nos han regalado donde aparecían muchos personajes que llevábamos temporadas esperando, sino también por el resurgimiento de otros, como el ángel Remiel, Eva y los que ya he mencionado, los cuales nos han dejado multitud de referencias a las temporadas anteriores. Y no puedo acabar esta review sin hacer mención a la relación entre Maze y Eva que me da la vida y a cómo me encantó el capítulo de Linda y su hija, porque son personajes secundarios que poco a poco han ido ganando mi corazoncito y de los que no me importaría algún spin-off.... Dicho esto, me despido ya por hoy. ¡Hasta la próxima, queridos allscreeners!
Post de Tessa Era 1994 cuando ocurrió uno de los eventos más grandes de la historia actual: yo nací. Bueno, tal vez no solo ese, tal vez quiera hablar hoy de que también “nació” Friends, una de las sitcoms más famosas e importantes de la historia de la televisión. Un 22 de septiembre, también conocido como el día seriéfilo para nosotras, se emitía por primera vez el episodio piloto de una serie que sigue siendo vista actualmente. Obviamente, mis padres no me ponían los capítulos de Friends mientras me cambiaban los pañales (vaya a saber usted por qué), así que hasta que no tenía unos 14 años (tal vez menos, tal vez más) no empecé a ver la serie al completo. No recuerdo que hizo que eligiera esa serie, tal vez había visto algún capítulo en FDF o con mi hermana, pero cuando decidí un verano ponerme a verme una serie completa los mediodías en mi turno de ordenador, fue Friends la que elegí y desde entonces me ha acompañado como una de mis series favoritas. Y podría hablaros durante todo el post de mi relación con la serie, pero creo que eso es más que suficiente y es el momento de hablar del evento que hoy acontece: Friends The Reunion. (Voy a hablar sin cortarme, así que ya aviso que hay SPOILERS) Un paseo nostálgico Algo imprescindible para cualquier revival o reunión de un antiguo show es no dejar caer el listón que la serie original estableció. Los fans van a ir atentos a ello y, en este caso, creo que lo han conseguido. No nos han dado una reunión insulsa o basada solo en una recopilación de mejores momentos que podrías ver también en MsMojo (aunque siendo Friends creo que hasta eso me habría gustado siendo sinceros), pero han ido más allá y nos han dado un montón de recuerdos nostálgicos unidos a nuevos momentos e incluso ¡nuevo material! La sintonía de la serie sonaba (una sintonía que calificó para la lista de hits de series) y yo ya estaba enganchada a esta reunión. Las lecturas de antiguos guiones han sido para enternecer nuestros corazones. ¡Nada más maravilloso que ver a un grupo de seis en una mesa leyendo en voz alta! No, en serio, de verdad que ha sido genial que escojan momentos clave para reinterpretarlos. Y hablando de la selección de escenas a recordar, creo que ha sido muy buena. Han ido a los momentos más clásicos e icónicos y eso es lo que esperábamos y queríamos. Ver a Courtney Cox (Monica), Jennifer Aniston (Rachel), Lisa Kudrow (Phoebe), Matthew Perry (Chandler) y Matt LeBlanc (Joey) jugar dirigidos por David Schwimmer (Ross) al clásico quizz que vimos en el capítulos 'El de los Embriones' ha sido una forma genial de ver si conocen tan bien su serie como sus fans y al mismo tiempo recordar grandes momentos del show. Una idea divertida que convierte toda esa sección de viaje por la tierra de los recuerdos en una escena amena y graciosa. Sin embargo, empezar y terminar con el capítulo final no sé si ha sido algo bueno o malo. Porque seamos sinceros, ¿tantas ganas tenían de hacerme llorar? Sigo llorando cada vez que veo el episodio y ahora me han dado más motivos para llorar cuándo lo vea. ¿Cómo no voy a recordar las anécdotas y vídeos de este último día? Sin olvidarnos de la genial firma de despedida de Matt LeBlanc. Pero no todo ha sido lágrimas (aunque en mí casi todo), también nos hemos echado unas risas (de esas que te hacen llorar) con tomas falsas y un montón de metraje de detrás de las cámaras de cuándo se rodó la serie. ¡Una maravilla! Sinceramente, me han dejado con ganas de un documental de cómo se rodó. ¿Por qué no estuvieron grabando su vida durante 10 años para que tuviéramos más material? Si hay algo que tengo que señalar en esta sección que no me ha convencido tanto, es que se han centrado mucho en Rachel y Ross. Ellos mismos definen Friends como una serie coral, pero tal vez se hayan centrado demasiado en la relación de estos dos para que nos lo creamos del todo. Es cierto que ellos marcan el inicio y el final y que las escenas recordadas eran muy icónicas, pero apenas hemos tenido nada de las relaciones de los otros. Como gran fan de Mondler (quienes me hicieron llorar mucho durante el recorrido de la serie), me hubiera gustado ver más de ellos en el pasado. Aunque seamos sinceros, yo lo que quería es que hicieran un especial de veinte capítulos. Pero eso no va a pasar y ya nos han confirmado, por milésima vez, de que no habrá un revival en modo de serie, película, spin-off ni nada, pero siempre nos quedará soñar con cómo habría sido. ‘Colegas’ y el mundo Me he visto la serie en inglés y español al completo, pero ese 'Colegas' aún me hace gracia y no iba a dejar de ponerlo en el post. Y ya que es un recuerdo como fan, ¿qué mejor momento que para hablar de la aparición de los fans en el especial? Obviamente, este tipo de reuniones siempre están dirigidas a los seguidores de las series. Y, no podía ser de otro modo, estos seguidores tenían que aparecer aquí. Friends fue un fenómeno en EE.UU, pero también un fenómeno mundial (ya he dicho que aún la gente sigue viéndola). Y tener una franja del programa dedicada y protagonizada por los que la amamos y a los que nos ha influenciado (no por nada la elegimos como una de la serie que más nos marcó) ha sido un abrazo a nuestro corazoncito que he disfrutado mucho. Era difícil no sentirse identificado con los fans que han aparecido hablando de su relación con la serie, o con los fans que tuvieron la suerte de estar entre el público (cuando se emitía o en el especial) y les hemos podido ver disfrutar de la grabación. ¿Alguien más ha muerto de envidia deseando haber estado ahí? Incluso han dado unos minutos para responder a una fan en el plató. Las estrellas invitadas Como me mencionaba Naia, Friends fue una serie que tuvo muchos y grandes cameos a lo largo de todas las temporadas. Las estrellas invitadas se convirtieron en un movimiento clásico del show, que especialmente lo aprovechaba en capítulos especiales como los de la Superbowl o Navidad. La lista de nombres es larguísima y todos tienen sus cameos favoritos. El mío sería Brad Pitt (por el cotilleo con Jennifer y mi crush con el actor desde Ocean's Eleven) o el de Bruce Willis (incentivado por la anécdota de que se uniera al perder una apuesta con Matthew Perry). Y esta reunión decidió no quedarse atrás con los invitados, pero esto levantó opiniones y reacciones de todos los tipos. Personalmente, yo estaba a favor de aquellos que habían aparecido en el show, pero no de los famosos que parecían estar en la lista solo para atraer público. ¿Acaso ser Friends no es suficiente incentivo? Ahora, tras ver el especial puedo comentar qué es lo que me ha parecido. Había nombres que tenían ganas de ver en pantalla y otros (como PaulRudd o Cole Sprouse) que me quedé con ganas de ver. Y después de verlo he de decir que Maggie Wheeler (aka 'Oh my god' Janice) fue la que más me gusto. La actriz se tomó el papel en serio y se metió de lleno e su personaje y pudimos reírnos mucho con ellas. Otros a destacar fueron Gunther (James Michael Tyler), que es demasiado icónico como para no adorarlo, y Jill (Reese Witherspoon), porque adoro a la actriz y oírle hablar de su emoción al unirse al show me encantó.
Pero, vayamos a la controversia: ¿Necesitábamos todas esas estrellas invitadas extra? Mi respuesta es NO. Sinceramente no creo que hayan aportado nada. Ver a David Beckham (quien tenían que aclarar en rótulos quién era) o a Kit Harrington (quien también tenía sus rótulos) hablar de la serie no me ha emocionado. ¡No quiero famosos fans de la serie, quiero a fans de la serie de la calle con los que relacionarme! Ni siquiera ese desfile tenía sentido para mí, desde que lo único que salvaría sería a Matt al final y lo otro podría haber ido mismamente en maniquíes o vídeos. Ni siquiera a Lady Gaga cantando 'Smelly Cat', si tanta ilusión le hacía que invite a Lisa a uno de sus conciertos y la canten juntas (como hizo Taylor), no necesito que me la metan en MI reunión. Si que es cierto que James Corden como conductor, porque no lo considero una estrella invitada, sí que ha tenido sentido y me ha gustado. Era una reunión y tener a un maestro de ceremonias dirigiendo el show de la noche ha estado bien. Además, esto les ha facilitado ir cambiando de formato entre la entrevista, los vídeos y el reparto mismo jugando al trivial y viendo vídeos en el sofá de Mónica. Podría estar comentando el especial todo el día (por algo la incluí en mi Top 7), pero ya va siendo hora de terminar, no sin antes señalar algunos momentos maravillosos que nos ha dejado: el bicho (aka Paul Rudd como AntMan) atacando a Phoebe, digo Lisa, con David al rescate; Jennifer y David anunciando el cotilleo que todos querían oír en los 90: estaban enamorados en la vida real (aunque nunca hubo nada); Matt riéndose con Courtney de cómo ella escondía los guiones por toda la cocina; la historia de David y el mono Marcel; Matt secando las lágrimas de emoción de CC... ¿Cuál ha sido vuestro momento favorito? ¿Qué os ha parecido? ¿Habéis echado en falta algo o a alguien? Post de Rosana Rábago¡Buenas, allscreeners! Un año más mi yo periodista está ya por aquí para informaros de las novedades del panorama seriéfilo. Y es que si bien es cierto que toda nuestra vida ha cambiado por la puñetera Covid-19, hay una tradición que no puede faltar, ya sea virtual o presencial, y es conocer las novedades que nos traen las cadenas americanas para la próxima temporada. A los allscreeners más antiguos, ya sabéis que este post forma parte de una larga tradición de Upfronts que llevamos cubriendo varios años, como los del año pasado, los de 2019, los de 2018 (con la colaboración de Naiara) y, los primeros que cubrimos, allá por 2017. Así que, sin más dilación, ¡allá vamos! Ya sabéis que en este post, la tradición manda. Así que me toca comenzar, como siempre, explicando que son los Upfronts a los que llegan por primera vez a esta página. Como muchos ya sabéis, y si no, aquí estoy yo para explicaros, los Upfronts son el momento del año, que habitualmente dura como una semana, en el que las principales cadenas americanas de televisión en abierto y de pago (las plataformas en streaming como Netflix, HBO o Disney Plus aun no se han animado a unirse aunque poquito a poco van abriéndose hueco también en este evento), nos anuncian las novedades que tendrán durante la próxima temporada así como las renovaciones, cancelaciones y la parrilla a partir de septubre. Como cada año, también tenéis esta información disponible en nuestro Twitter (bajo el hashtag #Upfronts2021 dentro de nuestro ya habitual hashtag #NoticiaSeriéfila) por si sois más de informaros por esta red social. Sin embargo, como nos gusta tener todo de un solo golpe de vista, a continuación os dejo, ordenados por cadenas, las tablas en las que encontraréis las renovaciones, cancelaciones, nuevas series y series pendientes de saber su futuro junto a un calendario de su parrilla a partir del próximo septubre y todo esto acompañado de las novedades más importantes de las nuevas series que nos traerán. ¡Empezamos!
Antes de dejaros las promos y los carteles de The CW, hay que comentar también que la serie sobre Las supernenas (Powerpuff Girls) no ha recibido el visto bueno del piloto. Esto significa que se rehará con el mismo elenco ya que la cadena confía en la ficción pero que se reescribirá el primer capítulo para adecuarlo a la audiencia. No ha corrido la misma suerte Painkiller, el spin-off de Black Lightning que no se hará realidad. Por lo demás, todo va según lo acordado. Además, hay que añadir que tanto Riverdale como The Flash comenzarán sus temporadas con un "especial de cinco capítulos". En el segundo caso ya se sabe que tendremos cameos de algunos de los superhéroes del Arrowverse y en el primero, se rumorea que quizás cierta bruja podría dejarse caer. Dicho esto, ¡a ver las promos y los carteles de lo que nos traerá la cadena juvenil! Por último, y como venimos haciendo desde hace ya tiempo, os dejamos el calendario con las series de cada cadena que podréis ver durante esta temporada cada día (que se irá actualizando a medida que conozcamos las parrillas de todas las cadenas, que aun no hacemos magia). Además, y como ya hicimos el año pasado, por facilitaros ya la vida del todo, os dejamos en la última tabla un listado con las series que las cadenas se han reservado para Midseason, (todas con sus logos oficiales), es decir, a partir de enero del año 2022, divididas en dos tablas que os indican cuáles son las nuevas series y cuáles las ficciones que regresan. ¡No podréis decir que os falte nada! (al igual que el post, estas tablas se irán actualizando a medida que obtengamos más información por parte de las cadenas que aun faltan por anunciar sus novedades). Ya solo me queda despedirme por ahora. Mientras tanto os avanzo que mi compi Naiara ha participado en un quizz de Friends en el canal de Kuby Record que ya tenéis disponible y que, en breves, intentaré volver con algún que otro post (aunque eso no depende tanto de mí como de mi vida profesional). ¡Hasta la próxima, allscreeners!
Post de Tessa Se encuentra entre nosotros. Como perfiladora experta que soy (título concedido por la Universidad de las Series Policíacas) puedo decir que esta persona es muy peligrosa. Al igual que muchos asesinos en serie es una persona joven -concretamente 31 años- y de raza blanca. El punto más chocante es que en este caso se trata de una mujer. Si la veis informad a las autoridades (es decir, a Naia, que para algo tiene un arco) y no os acerquéis. Aunque parezca estar en calma es una asesina muy peligrosa y tiene un recuento de 11 cuerpos, digo, series. Si aún no sabéis de quién estoy hablando, su nombre es Brittany Leanna Robertson, conocida como Britt Robertson y ha participado en 18 series (y otras tantas películas) terminando con la mayoría de ellas en su primera (a veces segunda) temporada. La causa de la muerte se ha calificado como ‘cancelación’ y así ha ido pasando desapercibida. Hasta ahora. En algunas se infiltró como un personaje secundario o incluso capitular, en otras se volvió más confiada y se puso en el centro de los focos para acabar con la serie desde dentro. Incluso jugó un papel en una miniserie, probablemente regodeándose de que no fuera a vivir más de una temporada. Pero vamos a ver un poco de su seriegrafía. Su carrera (como asesina y actriz) empezó en el año 2000 cuando solo tenía 10 años en la serie de Sheena en la que jugó un pequeño papel y que solo vivió 2 temporadas. Otros papeles capitulares que tuvo en series que mató, cuando estaba cogiendo confianza, fueron: Power Rangers Time Force (1 temporada), Freddie (1 temporada), The Winner (1 temporada) y Three Rivers (1 temporada). Con cada asesinato se volvió más confiada y en 2008 tuvo su primer papel principal en Swingtown para terminar con la serie en solo una temporada. A Una vida inesperada la dejó confiarse dejándola llegar a una segunda temporada antes de acabar con ella, lo mismo hizo con For the people (2 temporadas). Pero no tuvo la misma misericordia con El círculo secreto (1 temporada) o Girlboss (1 temporada). Los dos casos más complejos de su carrera criminal fueron Little fires everywhere, miniserie en la que representó un pequeño papel, pero que desde el inicio estaba destinada a ser una temporada por lo que no se sabe si se le puede adjudicar la muerte. Y en el de La cúpula, serie que duró hasta su tercera temporada, para ser cancelada también. Aquí parece que se dieron cuenta de lo que Britt intentaba hacer y mataron a su personaje (uno de los principales) en la tercera temporada, pero poco después la serie murió igualmente. ¿Su maldición habría perdurado lo suficiente tras su salida de la serie? Pero, como he dicho al inicio, algunas sobrevivieron. Y es probablemente por esas víctimas supervivientes que hemos podido ser conscientes de lo que trama esta malvada mente. Estas series son CSI: Crime Scene Investigation (donde solo apareció en el capítulo 8x03), Ley y orden: Unidad de víctimas especiales (10x06), Ley y orden: Acción criminal (8x09), Casual (2x05-2x07) y Enredados: La serie (1x02, 2x02 y 2x03). Como veis es un personaje muy peligroso que puede hacer que las series que te enganchen terminen demasiado pronto y con un final abierto (ejem, El círculo secreto, ejem, ejem). ¿Y cuál es su última víctima? La serie de ABC Big Sky en la que tiene un papel principal interpretando a Cheyenne Kleinsasser y que aún no se sabe si será “cancelada” (asesinada, vamos) o sobrevivirá renovando por una temporada más. Mientras tanto yo os dejo avisados de lo que hace y si váis a ver alguna de sus series, hacedlo con cuidado. 5 razones por las que 'Falcon y el Soldado de Invierno' es la mejor serie del UCM (hasta ahora)5/2/2021 Post de Naiara Salinas Poco más de una semana después del grandioso final de Falcon y el Soldado de Invierno, la segunda serie prometida por Marvel, me lanzo a proclamar otro enamoramiento más porque la experiencia ha valido para enriquecer los viernes durante mes y medio. 1. Retomando la saga mejor construida de todo el UCM Mentiría si dijera que la película de Capitán América empezó siendo mi favorita, ya que, como buena mitófila, Thor llamó a mi corazón primero. Pero conforme iba desarrollándose la trilogía y yo iba creciendo y convirtiéndome en la mujer con dedos de frente que soy ahora (*cara de escepticismo de mi conciencia aquí*) me encontré con que me importaban más las historias y los personajes en torno al héroe de Brooklyn. La historia de Capitán América fue concebida desde el principio para presentar un trasfondo más complejo dentro del género de los superhéroes, es decir, bucear más allá de la mera paliza a los malos y de los actos heroicos, cuestionarse sobre los principios y el papel de los héroes y los líderes. Algo que no veía desde la trilogía original de Spiderman, el primero en lanzarse con lo de "Un gran poder conlleva una gran responsabilidad". Dado que el héroe arácnido por aquel entonces aún le estaba vedado a la Casa de las Ideas, Steve Rogers se convirtió en su modelo ideal para servir como educador de masas, un esmirriado de barrio que acabó sobresaliendo por su valentía, lealtad a su país y, sobre todo, buen corazón. Pero de nada valía un héroe con capacidad de superación si era plano, de modo que cada aventura del Capi exploraba un conflicto nuevo que amenazaba con volverlo hacia el lado oscuro. La superación entonces fue mantener sus principios, pero Steve dejó de ser el patriota que América esperaba cuando su nación se reveló como altamente corrupta e injusta. Ello le obligó a enfrentarse, mínimo dos veces, contra quienes fueron sus amigos, bajo la increíble dirección de los hermanos Russo. Capitán América fue perdiendo el brillo optimista de su primera entrega y se volvió más noir, nos devolvió las historias de espías y demostró que hay más de una forma de esconder a un villano y no todas las máscaras tienen por qué ser físicas. 2. Casi cero exigencias, pero mucho organismo Falcon y el Soldado de Invierno no es tan ambiciosa ni arriesga en cuanto a formato como WandaVision. La suya es, dentro de lo que cabe, una historia sencilla escrita como un capítulo extra de la trilogía que busca cerrar cosas pendientes a la vez que abre una nueva era. De hecho es tan sencilla que solo necesita seis episodios para contarla, y, aunque como fans siempre nos morimos por más contenido, nos alegra y nos enorgullece esta decisión que tan bien le ha sentado a un guion que zanja todo lo prometido y levanta el hype en su justa medida. Ver la serie es una delicia porque todo sigue un ritmo y un carid muy orgánicos, no hay nada forzado, y mantiene mucha lealtad a los temas que siempre se han explorado en Capitán América. Una prueba de ello es que, aun teniendo la posibilidad de incluir más Vengadores, la serie solo cuenta con personajes relacionados con la trilogía. Tenemos a Sharon Carter, muy ninguneada en Infinity War y Endgame; al Barón Zemo, cuya mente estratega solo llegamos a ver introducida; y Wakanda siempre estará íntimamente ligada. Suficientes easter eggs para mantener el atractivo sin ahogar ese lapso de seis partes a los que por fin se les hace justicia no solo retomando, sino también completando en muchos casos, sus arcos. 3. El protagonismo merecido de un equipo muy secundario Por culpa de su poco desarrollo y rol anecdótico en la gran pantalla, poco había prestado atención yo a Sam Wilson en comparación con Bucky Barnes, cuya aparición, de todas formas, también se me quedaba muy corta. La serie también obra con justicia para con este par, al que por fin conocemos como deseábamos. Ver a Sam brillar y tener la oportunidad de mostrarnos todo su ser, sus miedos e inseguridades incluidos (pero sin desnudos, cuidao), es la mejor de las experiencias. Este hombre tiene fondo para dar y regalar. El afroamericano continuamente se cuestiona su papel como legado de Steve, decidido a continuar sirviendo como mejor sabe en su discreción. Él es Falcon, el eterno secundario, el amigo, incluso el ayudante. Mientras tanto, Bucky continua luchando con sus demonios internos y el reguero de sangre que ha dejado durante décadas. Cada uno intenta seguir con su vida por separado, uno siendo lo que siempre ha sido y el otro negándose a que su trauma lo supere e intentando ser mejor cada día. Por eso y por lo unidos que se sentían a Steve componen un equipo que se compenetra tan bien y que nos regala momentos increíbles en la pantalla: risas, un poco de rivalidad y, con el roce, mucho cariño, mucha empatía y consuelo (decidme que no soy la única que acabó pensando en ellos como pareja, por favor). Bucky presiona a Sam para ser algo más, lo que todos saben que merece ser, al margen de la opinión sociopolítica, mientras que Sam ayuda a Bucky a aceptar su pasado e identidad, aparte de demostrarle que por que Steve se haya ido no está solo. Una evolución magnífica para ambos héroes. 4. Los nuevos conflictos Empezando por el principal: las consecuencias del chasquido de Thanos han ido abordándose en diferentes líneas a lo largo de todas las películas y series pos Vengadores Endgame, pero solo aquí nos han dado una perspectiva más global, social, comunitaria y realista. ¿Cómo era la vida cuando solo vivía la mitad del mundo? En la serie conocemos que no todo era tan malo y que en verdad Thanos logró su objetivo de un equilibrio y un mundo mejor dentro de esa anarquía, pues por primera vez el mundo no estuvo limitado por las fronteras y las clases sociales. El Lapso dejó una realidad que enseñó cómo podía tanto mejorar como empeorar la sociedad, y los que sobrevivieron deciden luchar bajo el nombre de los Sin Banderas para recuperar la libertad y los derechos que obtuvieron, con lo que inician todo un cuestionamiento moral de la forma en que los líderes dirigen la burocracia. Luego tenemos la perspectiva de la familia de Sam, quienes "desaparecieron" y al volver se encuentran con toda esa burocracia golpeando de frente sin poder hacer mucho a pesar de contar con un Vengador y héroe internacional entre ellos. Aparte, está la situación de Sharon, quien se ha visto obligada a todo tipo de fechorías con tal de sobrevivir después de que su propia nación le diera la espalda. A ese conflicto se une la resurrección del famoso suero del superhombre, que ha podido perfeccionarse con los años a la par que la tecnología y que Zemo utiliza para plantear de nuevo por qué los superpoderes no deberían existir (él es todo lo que está bien entre los villanos de Marvel, en serio. Qué mente, qué salero y qué interpretación por parte de Daniel Brühl, de los mejores actores que ha contratado nunca Kevin Feige). Vinculado a la historia de los superhombres está el renacer del Capitán América en la piel de John Walker, un soldado que retoma la idea comercial expuesta en El primer vengador y que es un ejemplo de lo que ocurre cuando el cargo te viene grande porque es más que una cara bonita y un discurso motivador: es representar unos valores que parece que no alcanzan la mentalidad del siglo XXI (y al mismo tiempo sí, pues se apoyan en la diversidad y la justicia universal). La presencia de Walker va a servir para mostrar el lado oscuro de ese liderazgo, más una corrupción que nos lleva a pensar inevitablemente en lo que ocurrió con S.H.I.E.L.D. e H.Y.D.R.A. Y, por último, el conflicto que rodea a uno de los protagonistas: el racismo. Se pone en jaque todo lo que tiene que ver con la imagen de Capitán América, que es el Vengador más importante porque es el rostro de un país entero, un país lleno de interracialidad pero que aun así se apega a la idea "aria" del personaje. En la serie vemos cómo esa imagen publicitaria del americano ideal de los años 40 entronca con los movimientos inclusivos y libertadores de nuestra década. Vemos que la fe que Steve depositó en su amigo Sam con la venia de su mejor amigo de siempre Bucky era auténtica, pero que no se detuvo a pensar mucho en lo que implicaría. Conocemos la historia de otro supersoldado de color sometido a torturas experimentales para luego ser borrado como una mancha, lo que hiere profundamente a Sam y le alimenta más la creencia impotente de que el mundo jamás lo reconocerá como Capitán América, a pesar de que tiene mejor espíritu que todos los rubiales juntos. Eso conduce a la pregunta de qué es lo que necesita América realmente. Todos los conflictos mantienen la línea ético-moral que comentaba en el primer punto, pero se adaptan a lo que son los protagonistas, permitiéndonos destapar más capas en sus cebollas. Además, todo viene muy bien hilado y no se pierde jamás el enfoque. 5. La posibilidad de continuación
Así como en WandaVision caté una trama muy cerrada a la que solo veía futuro como anticipo de Doctor Strange 2, para mí Falcon y el Soldado de Invierno podría continuar más allá de sus seis episodios: Sam deja un heredero de su legado como Falcon; vemos que Bucky y él por fin dejan atrás su historia turbia y unen fuerzas, mientras que John Walker se prepara para seguir su propio rumbo con nuevos patrocinadores. ¿Es posible que veamos un poco más de Zemo, aunque sea su juicio en Wakanda? Y por la gran cantidad de temas que comprende esta saga, se puede indagar en muchos más. Ha demostrado que tiene mucho potencial y que, como dijo cierto rubio hace tiempo, "podría seguir todo el día". ¿No os gustaría, allscreeners? Post de Tessa Antón y Naiara Salinas Tenía que ser el 23 de abril, en pleno Día del Libro, la fecha escogida por nuestra roja (aka Netflix) para estrenar una de sus adaptaciones más ambiciosas y esperadas: la de Sombra y hueso. Un título que, al igual que Juego de tronos (aka Canción de hielo y fuego) en su día, enmascara un universo mucho más complejo y plagado de historias que la que se narra en un solo libro (el primero, por cumplir con la tradición). Se ha desvelado mucho de ese mundo en las últimas semanas, pero para quien todavía se sienta un poco perdido/a/e aquí estamos para arrojar un poco más de luz y animaros de paso a iniciar con nosotras un maratón intenso. Si no salís de aquí decididos a ver estos primeros ocho episodios y a realizar ofrendas y sacrificios a la diosa Leigh Bardugo y al dios Eric Heisserer por traernos esta aventura (y obligar a una lectura intensa de mínimo cinco libros y máximo siete en un mes), entonces algo hemos hecho mal. Así que Tess, querida, ¿por qué no empiezas tú? Perfecto, Naia. Pues primero de todo, antes de adentrarnos en el mundo de Sombra y hueso, también conocido como el Grishaverso, veamos quién es Leigh Bardugo. Historia de una autora con mucho mundo interior Al igual que el Mesías, nuestra venerada diosa de la escritura nació en Jerusalem. Sin embargo, creció en el oeste estadounidense (el actual, no el salvaje de los vaqueros). Más tarde se mudó a la pretenciosa costa este para estudiar en la Universidad de Yale, en Connecticut, estado solo conocido por la universidad y porque es donde “está” Star Hollow. Actualmente, reside en la soleada Los Ángeles, ciudad de las estrellas y las cámaras. Pero hay un punto en su biografía muy interesante y, que como contó ella en una entrevista, se relaciona con la historia que vamos a ver adaptada: parte de su familia huyó de Rusia y eso le hizo interesarse por esa cultura hermosa y peligrosa para ella. Y esta cultura la veremos en Sombra y hueso. Leigh es una persona compleja, pero al fin y al cabo una artista. Es escritora y le gusta escribir el borrador rodeada de gente y ruido, pero luego encerrarse en un “búnker” para terminar la novela; es una cantante, que forma parte del grupo Captain Automatic; y es una maquilladora profesional. Escritura, música y pintura, tres artes en una persona. Naia [interrumpiendo]: Espera, espera... ¿Tres artes? ¿Como el número de órdenes Grisha? Interesante. Pero me estoy adelantando. Continúa, por favor. El Grishaverso Bueno, pues como te veo deseosa de sacar el tema, saquémoslo de una vez. Del amor de Leigh por la historia y la cultura del este nace su famosa creación. ¿Y qué es eso de Grisha? Pues es el diminutivo de Gregory --'vigilante' en ruso--, se relaciona con los grigori --ángeles caídos que tuvieron hijos con humanos-- y también suena similar a geisha, que evoca la belleza y la discreción. Pero más concretamente, en Sombra y hueso, los Grisha son la élite mágica de Ravka (país ficticio en continua guerra por sus fronteras), que forman parte del Segundo Ejército. Existen distintos tipos de magia y con ello subdivisiones de Grisha. Maestra Naia, ¿quiéres darnos una clase sobre ello? Será un honor, compañera de batalla. Lo primero que hay que saber sobre esta "élite" poderosa es que no basan sus poderes en los mismos principios que los magos de Harry Potter. De hecho, consideran ese tipo de magia divina (o salida de la nada) una anomalía, una aberración que en su lengua se traduce como merzost. Lo que practican los Grisha es algo más racional: la Pequeña Ciencia, con la que alteran y manipulan lo que tienen a su alrededor: elementos naturales, materiales... En función de su especialidad se dividen en tres órdenes principales:
Su naturaleza les pide usar su poder para mantener la cordura y un buen cutis. De lo contrario, se convierten en obscur... Ah, no, perdón, que eso es de otra saga. Se debilitan. Aparte, los más afortunados o valientes pueden contar con amplificadores, que son objetos fabricados con partes de criaturas mágicas que les aumentan la energía. La única condición es que para que funcionen tienen que matar ellos al bicho, de forma que se cree un vínculo de poder. Existen Grisha que son per se amplificadores y son los que recorren el mundo en busca de más, ya que pueden detectar mejor sus poderes y sacarlos a la luz (a veces literalmente a la luz). Y ya que he sacado la palabra que empieza por "o", queda mencionar que en el top de todos ellos está el Darkling (Oscuro en español), un Invocador de sombras único en su especie con muchos siglos a sus espaldas a pesar de su apariencia joven, lo que le otorga el mayor rango de todos: el de comandante del Segundo Ejército. No solo dirige a los Grisha, sino que además ejerce cierto poder sobre la Sombra, una franja de oscuridad en el mapa que, aparte de dividir el país, está llena de monstruos conocidos como volcras que dificultan la obtención de suministros para la guerra. El Darkling que vemos en Sombra y hueso (nuestro Ben Barnes) es el heredero del creador de la Sombra (un tipo muy "majo" conocido como Hereje Negro) y busca erradicarla, pues es resultado de una "abominación" (lo que sucede cuando un Grisha sobrepasa los límites con su habilidad). Lo único equiparable al Oscuro en poder y categoría es un Invocador, o en este caso InvocadorA, del Sol, que es incluso más inusual todavía, una leyenda urbana que podría ser la solución contra la Sombra. ¿Y solo hay Grisha en Ravka, acaso? Qué va, pero... digamos que, siguiendo la tradición mágica una vez más, en otros países como Fjerda (al norte) son víctimas de la (siempre presente, en el mundo que sea) "caza de brujas", mientras que en otros como Shu Han (al sur), acaban siendo utilizados para experimentos. Solo en Ravka son aceptados y encuentran algo de paz... siempre y cuando sirvan a la corona, a su manera. Es decir, que a pesar de ser los seres más poderosos de la Tierra no dejan de ser unos siervos (¿huelo resentimiento por ahí?). Por eso, los Grisha son reclutados desde muy jóvenes para formarse en el Pequeño Palacio y unirse después al Segundo Ejército. ¿Y qué hacen cuando no están ocupados defendiendo a su país? Como ya he comentado, se dedican a viajar por el mundo, arriesgándose al cruzar territorio enemigo, en busca de otros Grisha para salvarlos con un pase V.I.P. a las filas. El comienzo de la expansión Aunque hay Grisha a lo largo de toda la saga, su historia se concentra sobre todo en la trilogía original, que es el núcleo de la serie. Para los demás libros sirven como nexo, gracias a personajes que reaparecen y se juntan con nuevos o conceptos que viajan entre fronteras. Y es que el universo es tan grande que tenemos tiempo de explorar más territorios aparte de Ravka, así como personajes. Ahí es donde entran las bilogías y los relatos, que se desarrollan en países como los ya mencionados, más Kerch, Novyi Zem... Menos mal que nuestra cartógrafa Alin..., esto, Tessa, está más que preparada para ubicarnos. Como os contaba Naia, vamos a ver mucho Ravka, ya que es donde transcurre la mayor parte de la historia. La trama de Alina y Mal empieza en el sur de Ravka: ella nació en Dva Stolba, creció un tiempo en el orfanato de Keramzin (bajo uno de los ríos que conectan con el The Unsea), entrenó en Poliznaya (sobre la cordillera de la frontera sur de Ravka) y fue destinada a Kribirsk (a la derecha de The Unsea). Sí, un montón de nombres; por eso os hemos traído este mapa: The Unsea o el Nocéano va a ser un lugar recurrente también y poco a poco descubriremos que es toda esa oscuridad, literal, y monstruos que hay ahí. Este lugar se opone --evidentemente-- al Mar Auténtico que probablemente naveguemos un poco, aunque no tengo todas conmigo que esto ocurra en una primera temporada. Lo que sí vamos a ver es Os Alta (la ciudad con esos edificios en el mapa), la capi de Ravka. Y es que el Gran Palacio y el Pequeño Palacio, donde reside el Segundo Ejército, se encuentran ahí. También pasaremos por Novokribirsk, el pueblo al otro lado del Nocéano a donde llegan los suministros que han de recogerse. Muchos de los lugares pueden ser nombrados ya sea por misiones pasadas, a distancia o porque procedan de ahí los protagonistas o enemigos. Sin embargo, aún nos queda otro a tener en cuenta (y que yo me muero por conocer, aunque saldrá poco, me temo): Ketterdam, la capital de la isla comerciante de Kerch. Una ciudad un tanto peligrosa, ya que el crimen es común ahí y con suerte solo te timarán un poco. Si bien en la serie van a salir los personajes de Seis de cuervos, quienes residen en Ketterdam, es probable que los veamos fuera bastante si deciden unir tramas, ya que el tráiler por ahora apunta a que nos centraremos más en la otra historia. La fuente de la inspiración Cuenta la leyenda que un día de vacaciones estaba Bardugo ejerciendo su rol de ávida lectora en lugar de turistear con los amigos cuando se quedó dormida y se despertó en medio de la oscuridad. A partir de ahí una vocecita en su cabeza le susurró: "¿Y si la oscuridad fuese un lugar?" Vamos, que la Sombra fue lo primero que concibió esta mujer. No obstante, si el Grishaverso es extenso en cuanto a las posibilidades es porque su escritora ha sabido cuidar y manejar muy bien las fuentes, desenvolviéndose entre diferentes culturas de la Europa del Este y Asia y mezclando su folclore con la historia real y su experiencia personal. Así, toda la estética y el orden del mundo, como ya adelantaba Tess, se basa en la Rusia zarista del siglo XIX. El lenguaje está elaborado con mezclas del ruso, el griego, el latín y lenguas asiáticas. Ravka es propiamente la Rusia aquí, gobernada por un rey (zar); Fjerda está basada en territorios nórdicos y en Siberia, mientras que Shu Han, en China. Hay alusiones a la India, la cultura arábiga (uno de los personajes, Inej, es una nómada suli, con rasgos de esas zonas) y el diseño de Ketterdam recuerda a una mezcla entre Ámsterdam y Venecia, con el ambiente de Gotham. Huelga decir que la serie se ha rodado en su mayoría en Budapest, por lo que es de esperar que nos encontremos edificios con la arquitectura asociada a toda esa área sur. En definitiva, a pesar de ser muy ficticio, es un universo bastante reconocible y verosímil en cuanto a estructura, política, comercio y ciudadanía. Es esta familiaridad en un escenario poco corriente lo que acrecenta la saliva en la boca del que se asoma por primera vez a la saga, ya que es una oportunidad única de disfrutar de otras culturas en un contexto de fantasía y aventuras donde caben muchas clases de intriga, ya que cada tomo de libros posee una personalidad única y complementaria. Sombra y hueso aporta el lado más fantástico, donde se explora tanto el folclore local como el internacional, con muchas leyendas en torno a milagros y criaturas míticas como el ciervo blanco, la serpiente marina o el pájaro de fuego. La visión lógica de la magia ofrece la oportunidad de jugar con la alquimia y, por ende, los remedios naturales, las drogas, etc. Y también hay tiempo para tratar, de forma muy especial, la religión, con su propia versión de Rasputín y todo. En Seis de cuervos nos dirigimos más a la novela picaresca con un toque de negra desarrollada en los arrabales, centro neurálgico de mafias y genios criminales. Algo que alabarle muchísimo es la evolución: el estilo de la autora se transforma, se vuelve más inteligente, más dinámico y profundo al poner el peso en todos los personajes y sus dramas internos (y no solo en la protagonista), lo que los ha terminado convirtiendo en los más populares (por eso uno de los atractivos de la adaptación es la oportunidad de verlos en un terreno nuevo y desconocido para los lectores, pues su trama en los libros tiene lugar pocos años después del final de la trilogía. ¿Dónde estaban los Cuervos cuando ocurrió lo de la Invocadora del Sol? Ahora lo sabremos con más detalle). Y con El rey marcado, la bilogía más reciente, se abordan más las intrigas de palacio. Esa versatilidad, tanto en líneas argumentales como en razas y/o personajes, es lo que ha propiciado que la adaptación por fin encuentre su hueco en nuestra parrilla televisiva. Corren tiempos predilectos para los híbridos culturales, no tanto para la originalidad. Por ello, sabiendo ahora cómo es este universo salido fuera de lo común, con más razón hay que darle una oportunidad. No podemos hablar todavía por el resultado, pero nos hemos hartado de ver making ofs y entrevistas para cerciorarnos de que vamos a ver algo digno. Eric Heisserer, showrunner y principal encargado de la adaptación, ha sido aclamado como guionista de La llegada y en Netflix tiene A ciegas. La banda sonora la firma el americano Joseph Trapanese (Oblivion, Robin Hood, Divergente, Tron Legacy, etc.). Creemos que una serie puede hacer auténtica justicia a la trilogía madre, donde algunos personajes se quedaron sin apenas desarrollo (ejem, el villano, ejem). Como lectoras os prometemos una saga equilibrada con protagonistas muy carismáticos (generadores de muchas frases de camiseta). Así que... ¿os sentáis con nosotras en el sofá y le damos al play de una vez?
Post de Tessa Antón Si habéis llegado a este post confusos porque no sabéis de quiénes hablo (o al menos quién es uno de esos dos) no os preocupéis: incluso si lo supierais estaríais igual de confusos de por qué mi extraño cerebro ha hecho estas conexiones. Pero que nadie se preocupe que yo aquí vengo para explicar esta teoría loca (aunque muy lógica para mí). Vamos poco a poco. Este (el de la izquierda) es Lepidóptero. Es el villano de una de las grandes series infantiles del momento (y que yo obviamente veo): Miraculous: Las aventuras de LadyBug (sí, la de la chica esa vestida de superheroína mariquita que lleva un par de coletas). Ahora vayamos al Nigromante (derecha); este es otro villano, en este caso de Legacies (el spin-off de The Vampire Diaries y The Originals). Presentados nuestros dos protagonistas (¿o es solo uno?) vamos a ver en qué se parecen. ¿Esos preciosos ojos claros y su piel blanquecina? ¿Esa afición por los cuellos de cisne y la ropa oscura? ¿Sus maravillas de “máscaras” con un diseño de líneas hecho con cortes o luz? Bueno, esto también, pero la verdadera pista para saber que son la misma persona son sus acciones. Si has visto Miraculous sabes que Lepidóptero quiere conseguir los pendientes de Ladybug y el anillo de Cat Noir (sí, la trama de la serie va de robar joyería a adolescentes). Así que este hombre, cuya arma es un montón de mariposas de luz, está obsesionado con esas joyas del mismo modo que Jessie, James y Meowth querían el Pikachu de Ash (porque no había más pikachus por ahí). Por otro lado, el objetivo de este “poderoso” Nigromante es conseguir un cuchillo robado a unos adolescentes (ya que en ese instituto los adultos brillan por su ausencia y no está muy claro si el único que está ahí toma en verdad las decisiones). Y este cuchillo es una pieza de colección, así que más joyería. Y cuando lo consigue decide que entonces lo que quiere robar es un reloj de arena muy fancy de una de las adolescentes (Josie). ¿Los motivos de ambos para querer estos objetos? Pues conseguir mucho poder, como siempre. ¿Y qué decir de sus estrategias? Lepidóptero envía maripositas de luz (clara y oscuras dependiendo de si andan siendo traviesas) para controlar a la gente y mandarles a conseguir ambos objetos. ¿Y qué hace el Nigromante? Pues controlar también a gente a través de sus poderes convirtiéndolos en acólitos. Tanto parecido te lleva a pensar qué estaban haciendo los creadores cuando escribieron a estos personajes. ¿En qué pensaban? ¿Querían crear una conexión entre Mystic Falls y París? ¿Esperaban que más adelante hubiera un crossover? ¿Buscarían llegar a los fans de la otra serie para robar sus espectadores?
Tantas preguntas y tan pocas respuestas. Lo que queda claro es que tras estas semejanzas solo podemos concluir una cosa: son la misma persona. O tal vez solo sea que Legacies más que una serie adolescente es una serie infantil viendo que su “villano” encaja en el perfil, especialmente con ese aire “cómico” que le han dado haciéndole fallar y parecer medio tonto últimamente. Sin embargo, prefiero pensar que es lo primero. Así que tras presentar mis pruebas, os toca decidir a vosotros qué creéis. |
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