Dos meses han pasado ya desde que las allscreeners nos juntamos para ver el musical de Anastasia, que en España se representa(ba) en el Teatro Coliseum de la Gran Vía de Madrid, pero la ensoñación todavía perdura, y es que muchas alabanzas podemos cantar acerca de las maravillas de la escenificación, desde el decorado a la interpretación y las coreografías. A la historia que ya conocíamos se le añaden pasajes más históricos, nuevas canciones y un trasfondo mayor. Todo un espectáculo.

Es difícil no conocer el argumento a estas alturas, bien sea gracias a la serie documental de Netflix Los últimos zares (2019) o, por supuesto, a la cinta animada de Fox de 1998. La obra entremezcla los contextos de ambas versiones y ofrece un híbrido bastante asequible más a favor del contenido histórico que de la imaginación del cine. En ella, regresan las viejas caras de Dimitri y el conde Vlad como los estafadores que buscan una actriz que interprete el papel de la legendaria hija menor del zar Nicolás II, desaparecida tras la masacre. Cuando Anya, una joven y humilde sirvienta con amnesia, se presenta ante ellos en busca de respuestas los dos lo tienen claro: es la candidata perfecta. Sin embargo, conforme progresa su relación y aprendizaje, comienzan a saltar recuerdos más cercanos a la verdad que lo cambian todo.

Uno de los puntos más interesantes del libreto es cómo el villano cambia con respecto al clásico de Fox y se convierte en una facción política progresista y anti zarista que asola el palacio de San Petersburgo durante una noche de fiesta y provoca importantes pérdidas, entre ellas la familia de Anastasia, el clan de los Románov. Con un juego de luces y sonidos bastante elocuente la obra afronta la dolorosa realidad y expone al público adulto e infantil un "brujo" todavía más perverso que el mismísimo Rasputín: una sociedad nublada por el odio al que ha conducido la ira tras muchos años de represión y condiciones de vida paupérrimas. Sin embargo, la obra no suprime con ello el foco de la tragedia, los daños colaterales. El asesinato de los Románov sigue horrorizando por la crudeza del acto. ¿Mejora para la sociedad? ¿A qué precio?

A raíz de este primer cambio se produce la presentación de un personaje nuevo, y es que, como digo, el villano aquí es el gobierno y las fuerzas armadas que dirige, cuyo objetivo es dejar cero rastro de la monarquía. El libreto sigue jugando con la leyenda, pero añade más fragmentos de esta. Gleb, así, el capitán de la policía, es la consecuencia y el reflejo de la dualidad entre lo que le dicta su deber como servidor de la nueva ley y su conciencia como ser humano (lo mismo que se podía ver en el personaje de Javert de Los miserables). Un cambio significativo que, aunque elimina uno de los números favoritos de la película, ofrece una perspectiva mucho más fresca.

Otra modificación que obedece a derechos de autor es la letra de las canciones, que, sin mudar su esencia, contienen versos nuevos, sinónimos y más intervalos instrumentales, decisión con la que los nostálgicos pueden no estar de acuerdo (y yo lo entiendo) pero tampoco importa, gracias a que la novedad es mucho más general como para preocuparse de ese detalle. Nuevos temas como "Al soñar", "El niño nos trae la paz" o "Mi patria siempre serás tú" sacan a colación mensajes a favor de la memoria, del sueño que se vive cuando eres niño hasta que alguien te despierta bruscamente y el dolor de tener que exiliarse porque tu propio país te ha dado la espalda. Apuestas más maduras expresadas con sentimiento. La repartición de tiempo entre canciones y diálogos no es nada sobrecargada. En ese sentido es un musical muy peliculero. 

La puesta en escena es muy rica gracias a la dirección de vestuario y aspectos técnicos. El escenario de fondo está tan trabajado que poco hay que usar la imaginación. El espectador puede limitarse a descansar, disfrutar y sumergirse en la historia como si se tratara de una gran pantalla: es la magia de Broadway traída a España. 

Familiaridad, belleza escenográfica, interpretaciones más que decentes, entre las que Jana Gómez (Anastasia) se convierte en todo un descubrimiento junto al pamplonica Iñigo Etayo (Dimitri); una visión más política y transiciones entre escenas y actos bien coreografiadas que hacen que poder disfrutar este musical se convierta en una experiencia obligatoria para los amantes del género. Por lo que, cuando todo esto acabe, espero que podáis hacerlo. 

Todo aquel que haya amado los clásicos en algún momento se ha remontado más atrás, al origen de la literatura, a las obras de los maestros griegos. Es el caso de Shakespeare, por ejemplo. ¿O acaso el personaje de Ophelia en Hamlet no es un eco de aquellas griegas como Electra que se vieron en medio de una guerra entre hombres a la que sucumbieron? 

Hoy celebramos el Día Internacional de la Mujer exponiendo estos casos. Mujeres empoderadas, mujeres catastróficas, mujeres pasionales... sobre el escenario más antiguo. 

Antes de empezar quisiera dejaros aquí un ensayo breve que he encontrado en Internet mientras buscaba a mis heroínas trágicas y que contiene mucho más de lo que voy a soltar, por si a alguien le interesa ampliar. 

Lo primero que quisiera destacar es, como dice el ensayo, que si bien las figuras femeninas poseen mucha importancia para la obra, siendo en muchos casos las protagonistas directamente, todas se rinden a los tiempos, dominados por la presencia del hombre en el poder. Eso significa que aunque muchas de ellas tengan voz y hasta reivindiquen, ninguno de los dramaturgos les dio realmente un liderazgo y la oportunidad de ser libres. Quizá, justamente, radique ahí la tragedia, y es que en este género se aprovechó para ahondar en los corazones humanos, en los miedos especialmente, la fuerza del destino y la incapacidad de rehuir la muerte y otros muchos males. 

La mujer en el teatro griego, no obstante, siempre va a ser la expresión más absoluta de la pasión. Un arrebato que hoy consideraríamos exagerado y de pura drama queen; pues bien, eso viene de lejos. 

Ahora bien, a veces esa pasión oculta un razonamiento profundo. Que a una mujer no se le permitiera tener voz por aquel entonces no cambia que la tenía, y desde tiempos inmemorables muchas han servido como conciencia a sus maridos. En los casos más malignos hasta los han manipulado (volviendo a Shakespeare, ejem, Macbeth)​. La cosa es... que ¿cómo tomarlas en serio... si siempre te hablan con esa energía que suscita sospecha de locura? Ya veis. 

En fin, estas son las obras que expongo:

Medea

Empezamos por la favorita de muchos, siempre en el corazón de este querido blog. A Medea la representa una serpiente y, en la adaptación que más conocemos, el color rosa, eterno símbolo de feminidad. Como tantas otras tragedias, por no decir todas, la mitología es la fuente principal y en esta el héroe griego en cuestión es Jasón. El valiente Jasón que capitaneó la nave Argos con los argonautas, que consiguió el vellocino de oro, etcétera, etcétera. Con semejante currículum, Medea era la mujer que merecía, una griega versada en el arte de la brujería por su condición de sacerdotisa de Hécate, diosa de la magia (si hubiera nacido en la Edad Media a la hoguera que iba), una griega que de pronto ve su trono temblar cuando su marido rompe con ella para casarse con una nueva "fulana" que ha conocido por ahí. Pero Medea no es una mujer que acepte convertirse en segundo plato, mucho menos cuando encima el rey Creonte quiere desterrarla lejos para evitarse problemas. "Yo me voy, pero por la puerta grande", sentencia la bruja, que llena de desdén e ira planea su gran venganza. En la versión de Eurípides, esa negatividad es tan grande que la ambición nubla cualquier atisbo de amor y hasta es capaz de sacrificar a sus hijos para cobrarse su deuda. Ambición, serpientes, bruja... Digna de Slytherin. 

¿Por qué la gente que estudia letras acaba admirando más a Medea que a ninguna otra? Porque es la única que responde, que no se doblega, que piensa en algo más que en el suicidio y el "¡Ay de mí! Que el amor de mi vida ya no me quiere". Es una mujer con ideas propias, que reconoce su dignidad y no está dispuesta a dejarse pisotear. Acaba siendo víctima del destierro y el rechazo de la sociedad igualmente, pero es la única que se marcha con una sonrisa, porque sabe que NADIE se mete con Medea... sin pagar las consecuencias. Si ella sufre, los demás más. Con un par. 

Antígona

Agarraos fuerte que se viene culebrón a lo Juego de tronos y Vikings. Después de que Edipo se casara con su madre Yocasta sin saberlo, lo descubriera, se arrancara los ojos y se marchara de Tebas, sus dos hijos, Polinices y Eteocles, acordaron repartirse el trono asumiendo el mandato en años alternativos, hasta que la ambición quebró la fraternidad y ambos iniciaron una guerra donde se marcaron un Caín y Abel mutuo. Por eso, en el contexto presente de la obra, el nuevo rey de Tebas, Creonte (a este lo vais a odiar mucho y además tiene el monopolio trágico), hermano de Yocasta, prohíbe los ritos fúnebres sobre el cuerpo de Polinices, el hermano que se rebeló, debido a la deshonra y la mancha que supone sobre el trono. Sin embargo, Antígona, hija de Edipo y hermana de los fallecidos, se niega a este hecho como buena sacerdotisa que es (Creonte va a acabar de la religión hasta los huevines a este paso) y dialoga con su hermana Ismene a escondidas para comentarle sus pensamientos y sus ideas.  Ella, siempre tan dócil, trata de disuadirla, pero Antígona amaba a sus dos hermanos por igual y no le parece justo que uno reciba sepultura y el otro caiga en el olvido y el desprecio, por lo que incumple la ley y es arrestada y llevada ante el rey, donde se desquita y le recrimina que haya dado más valor a las leyes humanas cuando las divinas están por encima. 

¿La respuesta de Creonte? Condenarla a muerte por tal grave ofensa. Ismene actúa como abogada del diablo y se niega a que su única hermana se marche sin ella, por lo que se confiesa también culpable, aunque Antígona rechaza su ayuda, así que al final solo ella es condenada. Cuando más personas, como Hemón (marido de la acusada), salen en su defensa y aun así Creonte les dice que se vayan a tomar por riau, con su buen juicio hacen lo que cualquiera en tiempos difíciles...: se quitan la vida (griegos. En fin). La obra acaba con Antígona muriendo encerrada en una tumba con una roca y el vidente anciano Tiresias señalando que los dioses muestran su cólera por los acontecimientos y que ya puede Creonte prepararse porque se avecina lo peor. Sí, por eso lo llaman "justicia divina". 

Antígona es otro gran personaje pasional que no reniega nunca de su familia ni su legado a pesar de todo el escándalo. Mujer de principios elevados, leal a sí misma y a los suyos hasta la muerte, valiente y fuerte, que acepta su destino con la cabeza bien alta. Vaya si no es empoderada. El amor y la vinculación de las mujeres a los dioses es también otro indicativo de este género, como si los autores en el fondo nos quisieran decir que estos personajes también son sagrados y merecen protección, pero esta no es posible en el mundo mientras un hombre gobierne. La interpretación, no obstante, queda abierta. ​

Electra

Tercera tragedia y ahora cambiamos de saga a la Orestíada. Y en este caso la referencia para comprender la magnitud de esta obra en nuestro imaginario es, como ya anunciaba arriba, Hamlet. Porque sí, Ophelia es más Electra de lo que creéis. 

Electra es la hija de Agamenón, el general griego que acompañó a su hermano Menelao en pos de su Helena (raptada por Paris) a la guerra de Troya. Cuando regresa años después, el general se trae como botín a Casandra, superviviente de la familia real troyana y su nueva concubina, sin saber que su mujer Clitemnestra también se había echado amante tras larga espera, Egisto. Entre ambos, urden un plan para matar a Agamenón, plan del que después se acaba enterando Electra, quien se lo confiesa a su hermano pequeño Orestes. En la versión de Esquilo los dos se compinchan para vengarse, pero la que yo vi en mis años escolares dejaba a la muchacha en muy mal lugar, siendo considerada como una loca por todos y sin poder ser escuchada. Como sea, al final Orestes se venga matando a su madre y las furias le atacan y le vuelven loco, aunque a Electra la dejan intacta. En mi versión esto se debe a que muere, pero en la oficial supuestamente está vivita y coleando. 

Con lo que os tenéis que quedar es con la idea de conspiración extramatrimonial y subestimación hacia una joven que no solo tuvo que pasar por la angustia de no poder ver a su padre en tiempos de guerra, sino que además lo vio morir y nadie salvo su hermano la creyó, pero este se acabó volviendo loco, así que también lo perdió. Una chica que se queda sin nada, más que su llanto. ¡Ay de ella!

Las troyanas

Ya que hemos hablado de Troya, vayamos al meollo de la cuestión. Esta obra de Eurípides trata del después. Todos sabemos quién ganó la guerra y cómo, pero ¿qué pasó con los supervivientes o, más bien, las supervivientes? Llega el momento de repartirse el botín de guerra y las mujeres forman parte de él. Cada una acaba con un soldado del ejército griego (en la obra anterior ya hemos visto que Casandra es destinada a Agamenón), mientras Poseidón, patrón de Troya, reaviva su rivalidad con Atenea, representante de los griegos, al ver lo que estos han hecho con su ciudad. 

De todas las tragedias, esta es sin duda la más trágica, ya que el final no es feliz para ninguna y la imagen que deja es casi un precedente de lo que históricamente han sido otros episodios como el rapto de las Sabinas o las Trece Rosas. Esta es una historia de víctimas, pero llama la atención que su defensor sea un dios masculino. No un mero dios, sino uno de los grandes, descendiente directo de un titán. Poseidón, el dios del mar y los océanos, de la tempestad. Dirán de Zeus que es el más volátil y de Hades, el más siniestro, oscuro, solitario. Pero donde realmente reside la energía es en este tercero, que nunca puede estarse quieto porque el agua siempre navega y une mundos. Atenea vela por hombres que se convierten en villanos, mientras que Poseidón lamenta la suerte de las jóvenes mártires de su pueblo. La energía que personifica este dios es idónea para la expresión de la rabia y la tristeza que lo envuelven, mientras que Atenea, siempre tan sabia, estratega, racional, siente la misma indignación... pero un tanto egoístamente porque solo se preocupa por una sacerdotisa que le rendía culto y es Casandra. Atenea es más fría y esta es una inversión de roles llamativa y curiosa. 

​¿Qué tragedia os gusta más?

Ya sabéis que aquí los especiales conjuntos nos encantan, así que cuando el blog de Tierra Cero decidió convertir diciembre en el mes dedicado a Mujercitas, historia de renombre que estrena su próxima adaptación cinematográfica el 25 de diciembre, me apunté sin dudarlo.

Para introducir un poco a los que nunca han oído hablar de ella, Mujercitas es una novela escrita por Louisa May Alcott y publicada en 1868 que nos cuenta los vaivenes de las hermanas March en su hogar de Nueva Inglaterra: Margaret (o Meg), Josephine (o Jo), Elizabeth (o Beth) y Amy, que intentan abrirse paso en un ambiente nutrido por las creencias de la época respecto al rol de la mujer, con la guerra civil estadounidense de fondo, para lo que la autora partió de su propia experiencia.

Muchas cosas interesantes se pueden contar del libro, cuyo ensalzamiento del  valor y el espíritu femeninos puede equipararse a otros como Ana de las Tejas Verdes. Sin embargo, eso se lo dejamos a la también escritora y bloguera Noemí Escribano. Lo importante aquí es lo mucho que su mensaje y sus protagonistas han trascendido hasta llegar a tocar prácticamente todas las artes. Y como lo siguiente próximo a la literatura en antigüedad es el teatro, es mi labor como cultureta rescatar la obra escénica que también goza de su propio recorrido en cuanto a adaptaciones. 

1912: el comienzo del viaje

La primera obra de teatro tuvo un libreto adaptado por Marian De Forest (1864-1935), periodista y dramaturga estadounidense impulsora del progresismo femenino a través de la fundación en 1919 de Zonta (futura Zonta International), que la Wikipedia define como "una organización de servicio formada por mujeres profesionistas".

Unos años antes fue motivada a llevar una novela ensalzadora de los valores feministas a las tablas. Y así, Mujercitas dio su primer paso fuera de las páginas para recibir vida de la mano de actores, actrices y escenógrafos, con un éxito más que notable que le garantizaría la pervivencia durante 184 representaciones y su posterior resurrección. En aquel tiempo fue dirigida por Jessie Bonstelle y Bertram Harrison y protagonizada por Marie Pavey (Jo), Alice Brady (Meg), Gladys Hulette (Beth) y Beverly West (Amy), más Donald McLaren como Laurie. 

Fue estrenada el 14 de octubre en el teatro Playhouse de Broadway. Actualmente el libreto se halla disponible en Amazon, para los interesados. 

Después de esa etapa, volvió al escenario el 18 de diciembre de 1916 en el Park Theatre con solo 24 funciones, y la última vez en mucho tiempo sería el 7 de diciembre de 1931, de vuelta en el Playhouse, bajo la dirección de William A. Brady, Jr. y con los perfiles de Jessie Royce Landis, Marie Curtis y Jane Corcoran.

1998: de los diálogos a las canciones

Una vez llegó la primera adaptación cinematográfica de la obra en 1933, tanto el cine como la televisión se quedaron con buena parte de los derechos y la fama, pero Broadway no había terminado aún. Si el teatro ya no podía ofrecer mucha más novedad en el libreto (cosa que a mi modo de ver no es cierta, ya que una misma obra se puede representar de mil formas distintas), podía cambiársele el subgénero, y aquí es donde entró en escena Mark Adamo, un compositor de Philadelphia homosexual que actualmente vive con su pareja en Nueva York y quien transformó el texto entero en... ¡una ópera! 

Adamo escribió la ópera valiéndose de material de varios autores, incluida la propia Louisa May Alcott al comienzo del segundo acto. Si la primera obra dramática contaba con cuatro actos, Adamo la redujo a solo dos y firmó con la Opera Studio de la Grand Opera de Houston, dirigida por David Gockley, para su estreno el 13 de marzo de 1998 en una producción a menor escala. Estrenó con enorme éxito y realizó 10 funciones en marzo de 2000 antes de expandirse. Los personajes de Jo, Meg, Cecilia y Alma March fueron escritos para mezzosoprano, mientras que Beth y Amy para sopranos, Laurie para tenor y John Brooke, Gideon March, Dashwood y Friedrich Bhaer para barítono. 

¡Aquí abajo podéis disfrutar de la ópera entera!

Y poco después, en 2005, llegó por fin el musical, estrenado en el teatro Virginia de la mano de Allan Knee, dramaturgo y guionista destacado por haber llevado al teatro la obra en la que más tarde se basaría la película Descubriendo Nunca Jamás (en la que también participó): ¡The Man Who was Peter Pan! 

Fue dirigida por Nick Corley, quien presentó una parte del trabajo en la Universidad de Duke en 2001, a raíz de una relectura de la obra el año anterior. En 2004 Susan H. Schulman dirigió esa representación en el campus. Tras 55 preestrenos, el musical finalmente vio la luz el 23 de enero del año siguiente y cerró el 22 de mayo habiendo sumado 137 funciones. La coreografía la realizó Michael Lichtefeld; el diseño, Derek McLane y el vestuario, Catherine Zuber. Kenneth Posner firmó el diseño de iluminación.  

Lo destacado fue el reparto, ya que contaron con una figura importante del pop, Maureen McGovern, para ponerse en la piel de Marmee. Pero, además, fue la primera vez que la obra dio el salto a Europa, estrenándose en Austria, y a Australia. Mantuvo la división en dos actos, pero todas las hermanas pasaron a ser sopranos. Abajo podéis ver una representación académica a partir del libreto de Allan Knee.

Y en España...

Desde esas primeras funciones, la obra ha proliferado en todo el mundo y eso la ha permitido llegar hasta nuestro país en todo tipo de niveles y estilos, desde actualizaciones libres como la de Javier Demaría hasta funciones escolares y adaptaciones de compañías. 

El Teatro Español tiene preparada para el año que viene una nueva adaptación subtitulada En palabras de Jo..., que se representará entre el 23 de abril y el 24 de mayo, con entradas de precio variado entre 5 y 22 euros, ¡muy barato! La versión es de la alicantina Lola Blasco (Premio Nacional en Literatura Dramática en 2016 por su obra: Siglo mío, bestia mía). y la dirección, de la sevillana Pepa Gamboa (de la Academia de Artes Escénicas de España). En su página web tenéis más información sobre los horarios de cada función. ¡No os la podéis perder!

¿Qué os ha parecido este mini repaso? ¡Seguid atentos los días venideros a todo lo que vamos a seguir compartiendo de este #MaratónMujercitas!

Somos mucho/as los que amamos con los ojos cerrados a Lola Herrera y puede ser que cuando opinamos sobre algunos de sus trabajos se nos vea el plumero y que la objetividad desaparezca. 
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Sin embargo, es algo que, en realidad, no me preocupa en absoluto en cuanto a esta obra porque la mires por donde la mires, seas fan o no de Lola Herrera, seguramente serás de ese 90% de espectadores que quedarán maravillados. 

Lola Herrera en Cinco horas con Mario no hace un papel cualquiera. Es un complicado ejercicio de interpretación con un personaje al que ella misma, según he leído en varias ocasiones, le tiene un especial afecto. Digo esto porque, como ya sabréis, no es la primera vez que esta actriz representa a Carmen Sotillo, mujer con moral y ética propios de la época (1966), con un marido libre pensador. Una combinación que Delibes supo aprovechar para hablar de política, educación, economía, sexualidad y otras cuestiones sociales acontecidas durante la dictadura en España.
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Todas estas cuestiones se relatan a través del personaje de Carmen, durante un intenso monólogo que va desde la nostalgia al reproche, junto al cuerpo velado de su marido recientemente fallecido.

En un escenario con una actriz, Lola Herrera, unas pocas sillas y un ataúd sentiremos con fuerza cada palabra y cada mensaje. Un trabajo enorme de interpretación, de dirección  y de adaptación de texto. Un trabajo que aumenta de nivel, según los que han tenido la oportunidad de comparar los tres momentos de esta obra; porque sí, Cinco horas con Mario es la tercera vez que se representa a lo largo de bastantes años con la misma actriz y la misma dirección. De ahí que esta obra tenga corazón propio y que haga que el público rompa en aplausos nada más terminar la obra.
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¡Larga vida al teatro y que viva la cultura!

Comentábamos en el debate la gran capacidad del teatro de no agotar sus obras nunca a través de nuevos enfoques. Pues esa cualidad es la que estuvo presente en la enésima adaptación de La importancia de llamarse Ernesto, de Oscar Wilde, que es, lo voy a confesar, mi obra favorita de todos los tiempos desde que yo misma la descubriera en Literatura Universal en 4º de E.S.O..., donde la representé (fui Cecily, uiii). 

La adaptación corrió a cargo de los chicos de Mutis por el Foro, grupo de teatro universitario de Navarra encargados del 90% de las producciones anuales de este ámbito. Ni qué decir el absoluto goce que fue poder disfrutarla desde la segunda fila, sobre todo teniendo en cuenta que, aunque es mi obra favorita, no la he visto sobre el escenario más que dos veces, contando esta (La vida es sueño se lleva el premio en ese aspecto).

Una de las peculiaridades de esta representación fue su juego lingüístico. Representar el humor negro británico-irlandés de Wilde no es sencillo. Se puede hacer más refinado o más histriónico, y este último fue el tono adoptado por estos jóvenes actores, que llevaron la comedia a un nuevo grado de sarcasmo con recursos tales como:

• Hacer que los criados pusieran acento british y encima se rieran de ello con gracias como: "Yo estoy para complacerle, señor, por eso pongo este acento".
• Colar nombres ingleses que la generación del siglo XXI asociaría enseguida a elementos culturales de gran bagaje, como Malfoy en Harry Potter.
• Aludir a su propia obra en el momento en que Algernon y Jack desean escaquearse de Lady Bracknell y el segundo le propone al primero: "Oye, ¿y si vemos La importancia de ser honesto?" para que este le responda: "¿La importancia de ser honesto? Nah, qué aburrimiento ya, se lo tienen muy creído". 
• Distorsionar el cliffhanger final no solo para añadir el último toque de originalidad, sino también para explicar, del modo más natural posible, el verdadero significado del texto.

Y es que como buena filóloga, una no accede al arte sin leer entre líneas. Aunque lo bueno que tiene este dramaturgo al que admiro años luz por encima de Shakespeare es que sus diálogos tienden a ser directamente mordaces, cargados de todo el cinismo y toda la sátira sobre la sociedad inglesa en particular y el mundo en general. Ideas sobre el matrimonio, la familia, el decoro y otras normas presentes en la Inglaterra del XIX son puestas en juicio en esta pionera de las parodias tal y como se conciben hoy en día. Pero como en todo, un mensaje queda de fondo y en este caso es la honestidad.

En el argumento de La importancia de llamarse Ernesto, para quien no esté familiarizado, Jack Worthing es un huérfano criado en el campo por un lord inglés que, para eludir la responsabilidad que cae sobre su pupila, Cecily (hija del lord), decide inventarse un hermano llamado Ernesto (u Honesto) que vive la vida loca en Londres y al que tiene que ir a socorrer de todos sus líos. Cuando durante una visita en la capital a su gran amigo Algernon le acaba confesando la verdad, este decide aprovecharse y usar el personaje de Ernesto para encandilar a la joven Cecily. En buen lío se meterán estos hombres cuando los amores de sus vidas (Gwendolyn Bracknell en el caso de Jack) quieran casarse con un Ernesto Worthing que no existe. 

Tratándose de una historia donde los protagonistas no hacen más que mentir (entre ellos, a sus familias y a sus amores), ni mucho me tengo que explayar sobre el papel de la honestidad aquí, la clave para solucionar el lío (literalmente un lío, porque la trama se desarrolla cual comedia de enredo), aparte de tener una conexión etimológica con el nombre Ernesto que por primera vez he visto expuesta sobre tablas cuando ni siquiera me la había explicado un profesor, por mucho que yo la intuyera. 

Dicho esto, la obra adquiere un tono no solo mucho más fresco, sino más ilustrador para los jóvenes de hoy en día, que la recibirán con los brazos abiertos. La actualización del libreto a los tiempos contemporáneos funciona, y el histrionismo de los protagonistas masculinos acentúa la risa y aporta apoyo al ritmo de una obra extensa en colaboración con los criados, que tan pronto están sirviendo, haciendo gracias y poniendo acentos como trabajando de estatuas (real XD). El vozarrón de Lady Bracknell como aristócrata escandalizada y severa es lo que más convence entre el reparto femenino. Si bien lo que más pongo en duda es la visión aniñada de Cecily (y no por mí, que conste), la química en todo el reparto es palpable, fruto de arduos ensayos donde además de aprenderse diálogos y monólogos rimbombantes, han tenido que interiorizar esa rimbombancia para lograr una interpretación de lo más creíble y natural. 

Así que un aplauso grandilocuentemente magnánimo a esta producción, que nos ha descubierto el secreto y la importancia de ser honesto. 

Cuando entrevistas a tu amiga del alma por su nueva obra y luego no vas a verla queda muy feo, y más cuando te ha picado el gusanillo. Por eso el viernes pasado, a las 20 horas, me presenté en el colegio mayor Larraona de Pamplona como marcaba el folletín y junto a unos amigos disfruté de algo que echaba de menos sin darme cuenta: las tablas y el delicioso sonido directo. 

La obra apenas alcanzó la hora u hora y pico de duración, minutos más que suficientes para asombrarnos con un solo acto intenso lleno de palabras fuertes y reacciones aún más flipantes. Porque lo que tan bien nos vendió Lady Mariaje de los Ruiz de Estella acabó cumpliendo con las expectativas (y hasta diría que las superó) y el misterio nos hizo ascuas hasta que se reveló la verdad cruda del asunto, que me voy a callar porque considero que es un factor importante para el disfrute de la obra y nunca se sabe cuándo alguien que me esté leyendo ahora va a ver otra adaptación, bien en su ciudad o pueblo, bien fuera (por si acaso, la obra, como conté en aquella entrevista, es de David Harrower, y justo el mismo día del estreno me enteré de que el hombre había ganado un premio por ella).

Como iba diciendo (no estoy muy acostumbrada a reseñar teatro, o más bien hace tiempo que dejé de estarlo), la obra plantea un dilema moral abierto a la reflexión y la libre interpretación de cada uno, y probablemente uno de los mejores rasgos del libreto es cómo los diálogos iniciales confunden al espectador dándole a entender que pueda ser cualquier otra cosa más típica hasta que surge la verdad. Sin duda un pastel que no se traga fácilmente ni sobre el asiento ni sobre el escenario, lo que me lleva a remarcar la actuación de ambos intérpretes, que no solo estuvieron a la altura de las circunstancias (lo primero que siempre aplaudo es la capacidad de memorización y cómo los pequeños fallos acaban apoyando la situación de nervios y tensión que se vive ficticiamente también), sino que además tuvieron el acierto de llevar sus personajes complejos a su terreno de manera que la naturalidad fuese el ingrediente principal. Aparte de eso, que esas dos personas aguantaran el tipo durante toda la hora sin que el público se cansara merece toda una condecoración. 

Hablando del público, he ahí posiblemente la mayor sorpresa de la obra: la risa. Tan sorprendente que ni siquiera el propio director, Raúl, se la esperaba. Y es que si el común mortal veía a una lunática ejerciendo de justiciera, a los que conocemos a la actriz principal (hablo al menos por mí) nos sorprendió tal arrebato hasta ese punto (¿quién no se ríe cuando ve a un amigo lanzar una silla a alguien en plan "Cuidao, que estoy muy loco"? XD). Ahora un poco más en serio, el enfoque a este personaje, orientándolo más hacia el cinismo y el humor negro, hicieron de la obra poco más que una tragicomedia, un tono inesperado para un tema tan duro que funcionó gracias a los arreglos del director, quien optó por eliminar escenas "grotescas" y darle algo más de misterio al protagonista varón, no confirmando sus verdaderas intenciones en un final que ya de por sí era abierto. 

En resumen: trama muy interesante y bien planteada en esta versión. La mejor hora invertida de aquel viernes, y que conste que no lo digo por conocer a los artistas. Sinceramente, deberíamos bucear más en el teatro inglés: tiene muchos tesoros ocultos y ojalá estos Indiana Jones del escenario sigan descubriéndolos. Mucha mierda. 

​¡Buenas tardes, allscreeners! ¿Cómo va ese Día Mundial del Teatro? Continúo con otro especial. Quienes hayáis estado atentos a las redes sociales ya habréis oído hablar de la personaza que os presento hoy y que usualmente ocupa nuestro puesto de cámara chachi pistachi. Pues bien, resulta que también tiene talento para las artes escénicas y, con el afán de resaltar la labor de las jóvenes promesas o el teatro estudiantil (que abunda) en un día como hoy (aparte de aprovechar la amistad que nos une), he decidido entrevistarla.
Su nombre completo es Lady Mariaje de los Ruiz de Estella (Navarra) de toda la vida. Compaginando con sus estudios de Periodismo, se inició en teatro a través del grupo Telón de la Universidad de Navarra, que llegó a dirigir en 2015, y actualmente tiene la gran ocasión de protagonizar una obra del escocés David Harrower, dirigida y adaptada por Raúl Meoz, estudiante de Historia del mismo centro. Preparaos para conocer a todo un mundo de teatrista.

N: ¿Qué nos puedes contar de la obra en la que participas, Blackbird?

M: De Blackbird te puedo decir que es una obra muy especial. Trata un tema fuerte con profundidad, con un diálogo fácil de entender pero intenso, duro de escuchar y difícil de interpretar. Nos muestra unos personajes con una psicología compleja, con matices y llenos de emociones. De algún modo está abierta a la interpretación, a que el espectador saque sus propias conclusiones sobre los propios personajes y sobre qué acaba sucediendo realmente. No es una obra moralista, simplemente expone unos hechos y es trabajo del que está en la butaca digerirlos y reflexionarlos. Además tiene el aliciente de que está basada en hechos reales, lo cual creo que de algún modo la redimensiona. Te puedo decir eso y que estoy muy contenta de representarla, de poder hacerla mía de algún modo y de poder acercársela a la gente. 

N: Llevas en el teatro universitario varios años. ¿Qué es lo que más te motiva o te llama la atención de este género?

M: El teatro me interesa en sí mismo como dimensión artística (igual que lo hacen el cine, la música, la pintura, la literatura...) y en todos sus aspectos y particularidades: la dirección, la actuación, la iluminación, el atrezzo... Porque en la disciplina y en la obra artística es un todo, todos los elementos y todos los que participan en ella la construyen, le dan forma. Aunque principalmente me interesan los dos primeros roles que he citado, el de la dirección y la actuación.

N: ¿Te ves haciendo teatro más allá de la universidad? ¿Te gustaría seguir en este mundillo o es algo pasajero?

M: Sí, me gustaría seguir si salen proyectos interesantes o si tengo algún buen guion que representar. Y me gustaría seguir haciendo proyectos con Raúl. No tiene por qué ser solo él, pero me entusiasman las ideas que tiene, las obras que le gustan. Me gusta cómo funciona su cabeza y sé que tiene mucho que ofrecer. 

N: Además de actriz, has dirigido una obra (I Feel Good, de Alistair Beaton). ¿Qué nos puedes contar de la experiencia? ¿Qué es lo más difícil de adaptar un guion al escenario?

M: Para mí no fue del todo sencillo porque yo no elegí la obra, entré en la compañía para actuar, después me pidieron que fuera ayudante de dirección y cuando el director se fue, me encargué yo de llevar el timón. Nunca había dirigido nada y no es que supiera gran cosa de teatro, no había visto casi obras y tampoco tenía muchas nociones de nada. Y me costó hacerme a la obra, entenderla. Todo empezó a encajar cuando comenzamos los ensayos, pero iba un poco sobre la marcha, de manera más o menos intuitiva. Y, bueno, no fue la obra del año, pero creo que después de todo no salió mal y todos disfrutamos mucho. Yo aprendía viéndoles actuar, aprendí a mirar para corregirles y que todo fuera acomodándose a lo que yo iba entendiendo que la obra requería. Para ser mi primera vez en la dirección de algo y pensando que muchos no habían actuado nunca, que era teatro universitario y no teníamos mucho tiempo para ensayar, creo que estuvo bien. Fue una buena experiencia y aprendí mucho haciendo algo que no había puesto a prueba nunca. Dirigir, reescribir algunas cosas del libreto, encargarme del atrezzo, de los efectos sonoros, pensar en la iluminación... Fue descubrir un mundo nuevo, lo que entraña. Y además aprendí mucho de la creatividad de mis actores, que muchas veces tenían buenas ideas que aportaban nuevos matices a la obra, a sus personajes. Era un proyecto al que íbamos dando vida entre todos. Lo más difícil a la hora de adaptar un guion creo que es saber realmente qué es lo que quieres y ver qué cosas funcionan y qué no, qué decisiones aportan a la obra y logran que esta avance.

N: ¿Crees que los jóvenes pueden mantener en auge el escenario? Dado que no es un género que llame tanto la atención como el cine y teniendo en cuenta lo poco que se asiste ya a las salas... ¿qué crees que le hace falta al teatro para que no sucumba?

M: Creo que los jóvenes pueden conectar con el teatro, hay muchos con inquietudes culturales y artísticas, pero quizá también hay que hacer una labor de visibilización y sensibilización sobre la cultura en general. Es una familiarización que se debería llevar en ámbitos educativos y culturales, pero impulsándose desde las instituciones políticas. 

N: Muy bien, hora de mojarse un poco. Vamos con algunas preguntas más curiosas. ¿Lista?

1. Última obra de teatro que has visto
​
M: Melocotón en almíbar, una comedia que dirigió mi actual director (que en su momento fue mi actor, lo cual no deja de ser simpático y hermoso por el cambio de roles y el reencuentro). La dirigió por primera vez en 2016 con Telón, compañía de la que tomó las riendas cuando me gradué. El caso es que él quería seguir contando conmigo en la distancia, con mi opinión, así que leí el libreto y fui a ver algún ensayo, pero finalmente no pude acudir al estreno. Pero él decidió representarla también en Santacara, su pueblo, con la compañía de teatro que también dirige ahí. A él le gusta innovar y probar cosas rompedoras, hacer sus versiones de obras que pueden parecer un poco "manidas" pero aportando su toque personal. Y además le gusta repetir obras que ya ha representado y con las que ha disfrutado, reinventando situaciones, experimentando con otros actores... Así que gracias a eso tuve la oportunidad de ver la obra en Santacara. La verdad es que, aparte de que el género se presta a la risa y al entretenimiento, los actores tenían bastante gracia y soltura en general, un nivel interesante para ser gente amateur. Y con respecto a la obra en sí misma, se la recomendaría a gente que quiere pasar un buen rato en el teatro. 

2. Última obra de teatro que has leído

M: Un libreto de una obra de Alessandro Baricco que quería hacer Raúl pero al final no se llevó a término y dio lugar, precisamente, al nombre de nuestra compañía: Novecento. Trata de un niño que nació en un transatlántico y se convierte en un virtuoso pianista de jazz, pero jamás ha bajado del barco, nadie sabe muy bien por qué... Una historia diferente. Ahora mismo me estoy leyendo Peter and Alice, otra obra que quiere representar Raúl, en la que los niños que inspiraron los libros de Alicia en el País de las Maravillas y Peter Pan se encuentran siendo ya adultos. La acabo de empezar pero tengo buenas expectativas con respecto a ella. 

3. Título que llevaría una obra sobre tu vida y de qué subgénero sería (drama, comedia, musical...)

M: Es una pregunta difícil, pero creo que se podría llamar algo así como Providencia, que creo que es uno de los signos de Dios que he visto claro en mi vida, en distintas ocasiones. Por la forma que tiene Él de salirme al encuentro cuando me descarrilo un poco, cuando todo es doloroso. De algún modo Él siempre me hace saber que está ahí, que me conoce y que me quiere a través de la gente, las circunstancias... Siento que todo fluye bajo el dicho latino omnia in bonum, que significa 'todo para bien', que viene a querer decir que incluso de los peores males se saca algún provecho. Es una frase que en el fondo habla del abandono de Dios, por qué es omnisciente y tiene la visión de todas las cosas y por tanto sabe más. Mi experiencia de las cosas horribles es que siempre se han producido por un bien mayor y me han ayudado a ser quien soy, a ser mejor, limpiar la mirada y encontrarme con Él. Supongo que sería una tragicomedia, quizá con algún momento musical. 

4. Quién sería la actriz que te interpretaría

M: No sé gran cosa de actrices de teatro, pero se me ocurren varias del mundo del cine. Creo que me gustaría que me interpretaran unas jóvenes Ingrid Bergman, Audrey Hepburn o Catherine Deneuve. Quizá incluso Emma Stone.

5. Obra que te gustaría llevar a cabo en un escenario

M: En algún momento, si consigo escribir algo lo suficientemente decente, me gustaría representar algo de producción propia, pero por ahora, aunque he tenido alguna idea que quizá bien desarrollada podría funcionar como guion teatral, no dispongo de tal material. Pero, así de entrada, si pienso en obras que he leído, creo que me gustaría intentar representar una obra de Calderón de la Barca llamada La iglesia sitiada, que trata sobre la Iglesia Católica y sus opositores del momento. La mayoría de los personajes no son personas, sino entidades, corrientes religiosas o conceptos como la Iglesia, el Judaísmo, la Herejía, la Fe o la Discordia. Creo que es interesante pensar cómo se personificaría cada uno y cómo se materializaría ese diálogo que mantienen, porque todas esas palabras están llenas de significado, tienen muchos matices y no dejan de tener un carácter abstracto, cada una en su estilo. Entonces pienso que tratar de conseguir hacer eso visual teatralmente tiene que ser interesante. Ojalá algún día tenga una buena idea y lo haga. 

6. ¿Protagonizar una obra o mejor estar tras el telón?

M: Bueno, son roles diferentes y cada uno hermoso a su manera. No sabría elegir, creo que depende de la circunstancia. Creo que a veces puedes sentir que tienes muy claro cómo debería representarse un guion, el tipo de personaje que quieres, cómo es su psicología y cómo reacciona cada uno, o del atrezzo que hace falta para que la obra se lleve a buen término. Pero también puedes conectar con una historia de modo que te gustaría estar dentro y ser uno de esos personajes, y tratas de imaginarte cómo expresar sus emociones, cómo transmitirlo con tus propios estilo y corporalidad. Luego está la gente a la que le gusta hacer las dos cosas y funciona, como Woody Allen en sus películas o el propio Raúl, que además de dirigir ha tenido papeles en sus obras, aunque sean pequeños. Aunque llevarlo todo a la vez supone más complicación pese a que he visto que puede hacerse. Si tengo pensada una idea para un guion y del mismo modo me imagino más o menos cómo quiero que sea, supongo que yo podría ser una de las protagonistas, supongo porque también hay algunas ideas o vivencias personales que quisiera plasmar. Como digo, depende. 

6. ¿A qué dramaturgo resucitarías y qué le dirías?

M: Creo que resucitaría a Buero Vallejo. Es considerado uno de los más prestigiosos del siglo XX y creo que es uno de los mejores de todos los tiempos y, posiblemente, mi favorito. Él era dado al simbolismo, a la crítica social y al drama histórico. Sus obras tienen varios niveles de lectura y los temas que trataba conectan con la actualidad y su realidad social. Creo que era un autor muy profundo, muy conocedor de su entorno y de los sentimientos humanos en general. Y además fue muy prolífico. Me encantaría hablar con él sobre su trabajo teatral y pictórico, sobre cómo concebía el arte... También me gustaría hablar sobre la época que le tocó vivir social y políticamente, sobre la vida en general, conocer anécdotas de su vida, sus gustos... En definitiva, tener una conversación de amigos y conocerle. 

Muchas gracias por todo, Mariaje. Para los bienaventurados residentes en Pamplona, capital navarra, Blackbird se estrena el 13 de abril en el colegio Larraona a las 20h.

Los grandes actores ya no solo trabajan en el cine y la televisión, sino que cada vez es más habitual verlos en varias obras teatrales (e incluso algunos premiados se han estrenado en tablas antes que delante de una cámara). Por eso hoy, en honor al Día Mundial del Teatro, os traigo algunos de esos actores que han dado ya sus pasos en el escenario. ¡Allá vamos!

Hoy en día, el que se dedica a actuar busca su hueco en el cine o la televisión. Pero no hay que olvidar que, en sus comienzos, muchos de los grandes nombres tanto españoles como extranjeros se iniciaron en un escenario teatral: Lea Michele, Kristen Bell, Casey Affleck, Bradley Cooper y Hugh Jackman (entre muchos otros en el terreno internacional), o Concha Velasco, Marta Hazas, Imanol Arias y Maxi Iglesias en el nacional. 
Todos ellos han ido equilibrando sus carreras en la televisión y el cine con diversas actuaciones en el teatro, lugar donde pueden interactuar más cómodamente con su público al poder ver sus reacciones e impresiones.
Por este motivo, no es extraño ver a día de hoy a algunos actores desarrollados en pantalla en Broadway o algunos de los teatros más populares del mundo, mientras que, al mismo tiempo, continúan rodando series o películas.
Siguiendo esta idea, no hará falta ser suscriptor de Movistar Plus y ver Velvet Colección o Toc Toc para poder disfrutar de las artes escénicas de Adrián Lastra, ya que el actor español también está actuando en la obra que se representa en el Teatro Alcalá de Madrid, Billy Elliot, donde por un precio de entre 25 a 90 euros, podréis disfrutar de su actuación dando vida a Tony en esta adaptación de la famosa película de 2000 basada en una novela igualmente homónima.

Chris Evans, mayormente conocido por ser Steve Rogers (Capitán América) en muchas de las películas de Marvel, también pisará un escenario teatral. El actor norteamericano debuta en tablas con Lobby Hero, una obra teatral que se inauguró ayer mismito en el teatro Helen Hayes y donde Evans interpretará al encantador pero también manipulador policía Bill, el villano de esta obra dramática.
Jim Parsons es otro de los grandes actores al que también podremos ver en Broadway. El actor, más conocido por ser el excéntrico Sheldon Cooper en The Big Bang Theory, se pondrá en la piel de Michael en The Boy Band, que supone, además, la segunda representación de temática homosexual disponible en Broadway en este 2018. También estará acompañado por otro de los grandes actores del momento, Matt Bomer, en el que supondrá su debut broadwayano. The Boy Band se estrenará el 30 de abril y se mantendrá durante doce semanas en los escenarios de Nueva York.
El drama The Iceman Cometh es otro que contará con un gran nombre en su reparto. En este caso, Denzel Washington interpretará a Hickey en una obra que tendrá una duración de catorce semanas en cartelera, comenzando el 26 de abril y acabando el 2 de julio de este mismo año.

​Todo este trabajo actoral se lleva a cabo en un escenario casi desnudo, con unas pocas sillas, un mueble y algún que otro elemento como una caja, unos lápices, un plástico… todo ello en rojo, junto al propio vestuario de los actores, que destacan sobre un fondo negro. Escenografía y atrezo más que suficientes cuando el trabajo actoral, la dirección y el propio texto (ambos de Juan Mayorga) son tan grandes.

Hoy es el Día Mundial del Teatro y, como tal, no podía seguir ignorando esta sección como si nada. No soy persona que se precie de ir mucho al teatro, lo reconozco, pero cuando voy me aseguro de pasarlo como una niña en un parque acuático (vamos, que bien). 
He visto obras representadas de todo tipo: desde mi favorita (La importancia de llamarse Ernesto) a tragedias griegas (Elektra). Obras representadas por profesionales y obras representadas por alumnos (sobre todo por alumnos). Pero a día de hoy puedo seguir alegando que mi género favorito es el estrella del escenario, el origen de Broadway como se le conoce hoy en día (más o menos): el musical.
Conocemos buena parte de ellos gracias al cine, pero sería injusto atribuirle todo el mérito teniendo unos premios como los Tony. De modo que me propongo resaltar diez musicales que se originaron en tablas y que han hecho las delicias hasta a los de Glee, encargados de versionarlos. 

1. Los miserables

Empezamos con mi favorito, como no podía ser de otra forma. Los miserables es una de las pocas obras que parten de un guion adaptado a través de la novela de Victor Hugo, como sabéis. Esta pieza obtuvo banda sonora en 1980 gracias a Claude-Michael Schönberg, Alain Boublil y Jean-Marc Natel. La gira dio un rodeo por Londres y EE.UU (con parada obligatoria en Broadway, por supuesto) antes de llegar a Madrid en 1992. En 1995 celebró su décimo aniversario con un concierto donde participaron Nick Jonas y Samantha Barks, que en 2012 retomaría su papel de Eponine en la gran pantalla. Desde ese mismo año hubo otra gira por España, gracias a la cual pude disfrutar por vez primera del espectáculo.
¿Por qué es mi favorito? Una buena ambientación, canciones pegadizas (la de "Lovely Ladies" tuvo además una parodia de mi cosecha: "Chicas guapas corren tras el bus...". En fin, qué tiempos) y una fiel adaptación a la historia de Victor Hugo, así como personajes humanos que lo pasan tan mal en la vida que es imposible no identificarse con ellos de algún modo (manos arriba si os sentís como Eponine y Fantine). Cuando llegó al cine fue cuando descubrí esta joya, primero leyendo la novela y luego observando a todos esos actorazos interpretando con sonido en directo, simulando un teatro de verdad. Tenía muchas ganas de saber cómo era la puesta en escena real y no me defraudó. Ya el número que sirve de opening, "Look Down", es potente, uno de los mejores principios que he visto en la vida. 

2. Wicked

A partir de aquí la lista es aleatoria. Eso quiere decir que Wicked (2003) no tiene por qué ser necesariamente mi siguiente musical favorito (de hecho no lo es), pero al estar basado en El mago de Oz es uno de los que fácilmente me acuerdo. Al igual que el anterior parte de un libro, Wicked: Memorias de una bruja mala, que cuenta la historia de las brujas antagonistas (Elphaba y Glinda) antes de la llegada de Dorothy a Oz. Su autor tiene trayectoria en el mundo de los musicales; Stephen Lawrence Schwartz ha compuesto también para Godspell (1971) y Pippin (1972) y, no os lo perdáis, a él le debemos las bandas sonoras de peliculones Disney como Pocahontas, El jorobado de Notre Dame (también basada en una novela de Victor Hugo), Encantada, etc. 
Esta producción sí que vio la luz en Broadway, con la gran Idina Menzel en la piel de Elphaba, y obtuvo tres Tony y seis Drama Desk. Nada mal, ¿no?
Entre sus números destacados están "Defying Gravity" y "Popular", ambos versionados en Glee. Actualmente un nuevo reparto con Aaron Tveit (Enjolras en la película de Los miserables de 2012) ha resucitado estos temas en una nueva gira.

3. My Fair Lady

Este es el primer musical de la lista que no está basado en una novela (aleluya), sino en la obra de teatro Pigmalión, de George Bernard Shaw. La música se la debemos a Frederik Loewe y el libreto a Alan Jay Lerner. Como tantos otros, se precia de adaptación cinematográfica (1964), pero nació en Broadway en 1956. Su premisa es atractiva como lo pudo ser Pretty Woman también en sus tiempos: una florista callejera, Eliza Doolittle, que habita en los barrios bajos de Londres, es rescatada de la calle por un profesor de fonética que, atraído por su lenguaje vulgar y su acento peculiar, decide apostar con un colega suyo a que logrará enseñarle a hablar bien y hacerla pasar por una mujer de alta sociedad.  A España llegó por primera vez en 1982 y en 2012 repitió gira, aunque por desgracia no la vi.
No puedo presumir entonces de conocerla a fondo (salvo si me veo la película, que me apunto en lista de pendientes), pero da la casualidad de que uno de sus temas ha logrado llegar hasta mí sin tener noción del musical (tal vez por vivir donde vivo): "The Rain in Spain" (muy apropiado, sí). 
Ah, tal vez os interese saber que Julie Andrews dirigió una de las miles de funciones. 

4. Cats

Viva este diamante en bruto que todavía no ha sido adaptado al cine (en vías está) por su originalidad. Cats es uno de los primeros musicales (no, de hecho creo que es EL primero) que disfruté en mi infancia... a través de la tele. Sí. Nunca lo vi en vivo y en directo, pero tengo un DVD donde se ven todos los números grabados. Cómo lo conseguí es cosa de mis padres y algún fascículo de coleccionista, supongo. En fin, lo que cuenta es que lo conozco. ¿Y qué puede llamar la atención de esta obra? Para empezar, sus protagonistas: gatos. ¿Cómo se come eso? Con un estupendo encargado de vestuario que disfraza y maquilla a humanos para que puedan dar vida a estos felinos que cantan por turnos su historia. Además, no son gatos corrientes, no. Son gatos jélicos, esto es, tienen tres nombres: el que les pone su dueño, su nombre personal y un nombre secreto que no revelan a nadie. 
Uno de los musicales más espléndidos, con canciones tan memorables como "Memory" (badum tss). Los trajes son maravillosos, muy logrados (quisiera uno para disfraz de Nochevieja). Mezclan el pelaje de los animales y la vestimenta humana. Es una puesta en escena tan suya que, sinceramente, no veo cómo lo llevarían a la gran pantalla, pero supongo que maneras hay (mientras no me creen gatos cantarines y bailarines por ordenador, Yisus Christ). 

5. Chicago

Otro de mis favoritos, hasta el punto de que si esto fuera un top subiría puesto sin dudarlo. Nace en 1975 en Broadway (cómo no), pero no encandila hasta la función de 1996, la más conocida. Es guion adaptado de otra obra homónima publicada en 1926 (OMG, el año donde se ambienta Animales fantásticos y dónde encontrarlos, ¡imaginación al poder!) por una periodista del Chicago Tribune, a raíz de crímenes auténticos que ella cubrió. Santa Wikipedia añade que supone "una crítica al sistema judicial y al concepto de criminales estrellas". Viendo el argumento es fácil entender por qué. 
Los jóvenes lo conoceremos más gracias al filme protagonizado por Catherine Zeta-Jones, Richard Gere, Renée Zellweger, John C. Reilly, Queen Latifah y Christine Baransky, dirigido por Rob Marshall. Eso o por las actuaciones de Glee. En cualquier caso, "All That Jazz", "Cell Block Tango" y "We Both Reach For The Gun" forman ya parte de mi repertorio. 

6. Funny Girl

​Con el curro que se ha pegado Barbra Streisand para resucitar los musicales con actores de Hollywood en un disco especial, no podía faltar el que la puso en el punto de mira. En este caso la inspiración es una biografía, la de Fanny Brice, que tuvo una relación "tormentosa" con un jugador profesional, Nick Arnstein. Esta es una obra rodeada de polémicas, primero por la adquisición de los derechos, luego porque los guionistas eran sustituidos cada dos por tres (parecido a lo que está pasando con las películas de DC ahora mismo), luego porque nadie parecía contento con la protagonista al principio... Se preestrenó varias veces antes del estreno oficial en 1964, cambiándose por el camino las canciones y los diálogos en función de si gustaban o no a los críticos y al público (hasta ese punto les preocupaba la repercusión, sí). Streisand dejó la obra en 1965.
Su título original era My Man, pero dado el parecido entre el adjetivo funny ('divertido') y Fanny, me alegro de que lo cambiaran. 
Es muy gracioso que en Glee parecieran no solo rendir tributo al musical sino también a sus vaivenes, ya que este supone el debut de Rachel Berry en Broadway como Fanny, algo que le garantiza el éxito, pero tras unas cuantas funciones lo deja para dedicarse fallidamente a la tele (una pequeña curiosidad sin más). Sin duda Lea Michele borda el "Don't Rain On My Parade" (boquitas afirman que incluso más que la propia Barbra), hasta el punto de que fue una de las actuaciones en los Tony de 2010 (año en el que Eddie Redmayne, por cierto, ganó un premio). 

7. Annie

Uno de los más divertidos y otro con los que he crecido. ¿Quién no recuerda esa monería de película de 1982? ¿Quién no ha cantado alguna vez "El sol brillará mañana..." cuando se ha sentido mal? Esa canción sirve tanto para comedia (por algo la cantó Asno en Shrek 2) como para drama. Bien, lo pongo en el puesto siete porque se estrenó en 1977. 
Destinado a conmover a pobres y ricos, a niños y adultos, las aventuras de una huérfana fugitiva en busca de sus padres que encuentra un nuevo hogar con un ricachón nos demostró que esta puede ser una "Hard Knock Life", pero que "Maybe" tengamos la suerte de mejorarla, y si no, al menos tendremos seguro que "I Don't Need Anything But You". 
No solo la historia y su repertorio son atractivos, sino el protagonismo del que gozan los niños, que ayuda a que sea uno de los pocos musicales para todos los públicos (los otros son demasiado "crudos" para que los peques los disfruten). La película de 2014 añadió un tema muy tierno, "Opportunity".

8. Rent

Uno de los más rockeros, que he descubierto recientemente (hoy, sin ir más lejos), aunque parte de su banda sonora ya la había escuchado (de nuevo, gracias a Glee). 
Lejos del esplendor y el tono puramente Broadway, Rent supone una actualización a los tiempos modernos, y yo hasta lo consideraría pionero en cómo se escriben ahora los musicales. Su argumento es también muy juvenil y actual: unos jóvenes bohemios tratan de sobrevivir en Alphabet City, un barrio peligroso del East End de Nueva York, a principios del 90, con el SIDA de por medio. 
Con esta temática no extraña que sea de los más nuevos, estrenado en 1996, aunque su presentación ocurriese dos años antes como parte de un taller teatral en Nueva York. Se llevó el Tony a Mejor Musical y una adaptación al cine a cargo de Chris Columbus (exacto, el mismo de Harry Potter y Percy Jackson). Su inspiración es, curiosamente, una ópera del famoso Giacomo Puccini, La bohème.
Volviendo al tono antes mencionado, lo que distingue este musical de otros es que sus canciones podrían pertenecer a cualquier banda sonora contemporánea o que incluso podrían sonar en la radio. El subgénero rock ayuda. Yo me quedo con "One Song Glory", "Seasons of Love", "Over the Moon" (que sí tiene más aspecto de musical)... No sé si me dejo alguna, pero podéis ver el largometraje. Por cierto, mirad quién sale en él (parece que Broadway también es un pañuelo).

9. Oliver!

​Oliver Twist no empieza precisamente siendo una comedia, pero el musical se propone amenizar su historia para los más pequeños, con números musicales entretenidos alejados del drama de Dickens. 
¿A quién se lo debemos? A Lionel Bart, que lo estrenó en Londres en 1960, la época de oro para los musicales. Es de los más antiguos y de los que más representaciones tuvo a finales del siglo XX. En Inglaterra se representa mucho y Sam Mendes dirigió una de las producciones (dato que conozco gracias a Eddie Redmayne, que se presentó al casting). Resulta muy desconocido para mí, pese a estar en la lista (y si está es precisamente para recalcar su valor a las nuevas generaciones), pero de lo poco que he visto parece muy simpático y, siendo un clásico de un autor al que he leído unas cuantas veces (Grandes esperanzas sigue siendo mi novela suya favorita), le daría una oportunidad. 

10. Mamma Mia!

Y de un título con exclamación final pasamos a otro. El enredo con las canciones de ABBA de fondo cierra la lista principal. Lo culpo a él de crear la categoría de Comedia/Musical en los Globos de Oro (algo con lo que no estoy cien por cien de acuerdo, porque no todos los musicales son cómicos, mirad el primero de la lista). 
Cierto es que cantando las penas son menos, pero si hay una historia donde de verdad el repertorio del famoso grupo se usa en clave paródica es esta. La trama parece una comedia de la antigua Grecia por el enredo amoroso que presenta, y la música expresa la fiesta y el popurrí de sentimientos de los personajes. 
Debutó en Londres en 1999, pero muchos lo conocemos... por otra película. 

Y ya está. Esos son los musicales que he querido destacar en un día como este, casi todos adaptados con mucho éxito.
Hoy en día tenemos también el caso contrario, musicales rodados directamente para cine que se representan sobre tablas, como School of Rock, El rey león (que todavía no he visto, desgraciada de mí), Sister Act, La bella y la bestia... Pero, amigos, ese es otro post.