La recomendación de hoy, como algunos sabréis, no está exenta de polémica debido a un artículo que mostraba el maltrato a uno de los personajes. Por ello dudé en si colarla en esta sección de igual forma que dudé sobre si verla. Finalmente ganó mi curiosidad, que en estos momentos desearía que un artículo como ese nunca hubiera salido a la luz... porque nunca hubiera hecho falta. Yo os invito a leer mi crítica centrándoos no en el sistema de rodaje, sino en la narración. 

En este largometraje asistimos, como hemos visto en otras películas como Jack Frost, a la resurrección del protagonista, en este caso un perro que conforme muere se reencarna en razas diferentes y vive vidas muy diferentes (algunas más tranquilas, otras más violentas... De todo). Su vida más completa es la que obtiene como Bailey, un cachorro que es rescatado por un niño y su madre y desde entonces pasa a ser un miembro más de esa familia, asistiendo a la evolución decreciente de esta desde que al padre le echan del trabajo. Bailey completa esa vida y vive otras más, pero el destino le aguarda una sorpresa, y es que las grandes amistades nunca se olvidan. ¿Podrá volver a reencontrarse con su dueño más querido?

La cinta está planteada como un dramón sensiblero destinado a tocarte hasta la más insignificante fibra de modo que estés al menos un cuarto de hora llorando (o media, o toda la peli). No sé por qué siempre acabo viendo estas historias que sé que me van a hacer sufrir, pero, madre mía, cómo me encantan (quiero decir, da igual que la vendan como drama o como comedia porque al final, si la protagoniza un animal, siempre voy a acabar en lágrimas, lo tengo asumido. Ya me pasó con Una pareja de tres, con Flicka, etc. Como dije la semana pasada, las historias de animales me apasionan). 
Aun así, me pareció tan preciosa que, pese al boicot expandido, tenía que hablaros de ella, porque su mensaje se apoya en algo tan profundo como el sentido de la vida. Así es, y contado desde el punto de vista de un perro, qué cosas. Nuestro querido amigo se pregunta qué sentido tiene vivir continuamente, lo que le lleva a probar diferentes experiencias. Es un ser que aunque no es humano está sumido en un aprendizaje constante, cometiendo errores y salvando muchas veces a la gente sin darse cuenta. Cada uno de sus viajes vitales se concentra en una de las muchas facetas que presentan estos cánidos: vive en las calles, sufre la represión de una perrera, es animal de compañía, es perro de rescate o policía, vive con jóvenes, vive con estudiantes, tiene compañera, está soltero, es rico, es pobre... Le da para vivir de todo, lo bueno y lo malo. ¿Y cuál es su conclusión? El amor. Bailey existe porque está destinado a llevar amor a las personas, a curar y alentar sus corazones, a hacer menos solitarias sus vidas, a brindarles lo que les falta. De ahí mi llorera (quien tiene o ha tenido mascota lo entenderá). Es una trama tan bonita sobre la relación perro-humano que me duele, no sabéis cuánto, pensar en el maltrato que recibió uno de los canes (contradicción número uno y única razón por la que no recomendaría este filme. Al menos la vi pirateada en YouTube y no pagué por ella). Quiero pensar que al resto los cuidaron. 
Oh, y pese a lo dicho al principio, contiene también partes muy divertidas y entrañables. Y, al igual que en Una pareja de tres, el animal acaba siendo un factor importante para consolidar la unión entre dos parejitas.

En resumen: si tienes perro, vela. Si tienes cualquier otro animal, vela. Si crees que debería recomendar más cintas de animales, vela (estoy por redactar un post sobre esta clase de largometrajes, que creo que será más práctico). Si te gustan las historias románticas, vela. Si te gustan los dramones sensibleros y llorar a lágrima viva, vela. Si no das mucha importancia a las polémicas y, como a mí, te puede más la curiosidad, vela. Y si te has enganchado al cuerpazo de K.J.Apa desde Riverdale (aquí también sale jugando a fútbol y demostrando masa muscular), vela. No menos importante es hablar de Britt Robertson (maldecida en la pequeña pantalla a base de cancelaciones, con algo de mayor fortuna en la grande). Ah, el Olaf de Frozen y el LeFou de La bella y la bestia pone voz al prota. 

Ficha técnica
Tu mejor amigo (A Dog's Purpose)
​2017, USA
Director: Lasse Hallström
Reparto: K.J.Apa, Josh Gad, Britt Robertson, Dennis Quaid, Peggy Lipton, John Ortiz y Logan Miller

Puntuación: 9/10

Sin prisa pero sin pausa. Así parezco yo tomarme últimamente estos especiales. Esta semana tuve tiempo de volver a hacer un pito pito gorgorito. Pero bastó un solo vistazo al baúl de mis recuerdos para encontrar una nueva ganadora que no entraba en la competición. La película que hoy os traigo no creo que sea ni remotamente de las más conocidas, aunque parte de su casting sí. La descubrí cuando no era más que una pipiola en un festival de cine y desde entonces la tengo grabada a fuego... y espero que se os grabe también. 

Dos hermanos es una historia protagonizada por animales de carne y hueso: dos cachorros de tigre, llamados Kumal y Sangha, viven felices con sus padres en las ruinas de un templo, hasta que este es saqueado por un ex cazador (Guy Pearce), que mata al padre de los pequeños y se lleva a Kumal. Los azares del destino (y un mal socio también) provocan que el tigre termine en un circo. ¿Y su hermano? Bueno, después de ser encontrado por un niño (Freddie Highmore), vive con él una temporada. 
A lo largo de la película se muestra cómo el ser humano se ceba con estos animales a un punto despreciable y cómo ello les afecta en su forma de crecer y comportarse con su entorno. ¿Lograrán volver a la jungla y reencontrarse con lo que queda de su familia?

Aunque no soy vegetariana, me considero muy animalista, así que esta clase de cintas logran tocarme la fibra sensible. Recuerdo haber visto de pequeña un reportaje de cómo se rodó, enteramente con animales reales pero sin aspecto de documental. Tal vez sea una de las cosas más bonitas y llamativas, cómo estos amiguitos de piel listada y cuatro patas logran expresar sin recurrir a ningún efecto especial, simplemente con mucho entrenamiento. Tienen escenas que impactan y otras que te causan mucha ternura. Cubren la mayor parte del metraje, así que esa capacidad de transmitir sin palabras (aunque gruñen, rugen y esas cosas) resulta muy importante para que el público empatice con ellos. No obstante, tengo la impresión de que tampoco hace falta que se esfuercen mucho, porque el guion está orientado desde el principio a mostrarlos como víctimas de una sociedad sanguinaria a la que únicamente motiva el dinero. 
El largometraje nos muestra el lado más humano y cariñoso de Shere Khan (aquí se demuestra que los tigres y los cachorros humanos congenian excelentemente) con una clara intención crítica, no solo a la forma en la que los paisanos diezman la población de tigres de Asia, sino también al maltrato animal en general. Los tigres no dejan de ser fieras, pero la trama nos enseña que solo atacan si se sienten amenazados. Dos cachorros que no tienen la culpa de nada acaban sufriendo torturas por parte de los hombres que negocian con ellos. Y para subrayar este hecho nos presentan dos carácteres opuestos: Kumal, valiente y atrevido, es doblegado a fuerza de golpes y latigazos en el circo para servir al espectáculo. Sangha, tímido y cobarde, termina volviéndose un ser agresivo tras obligarlo a combatir hasta la muerte contra otros carnívoros. 
Dos enlaces humanos con estos hermanos son la clave de la denuncia y la demostración de que no todo está perdido y hay gente capaz de luchar por la libertad y la justicia de estos felinos: tanto el ex cazador como el niño terminan queriendo a esas bestias, si bien el adulto no se esfuerza tanto como el crío, es más, es a este último al que le debemos la lección moral: "Sangha no es un asesino, y tampoco lo es Kumal", dice, expresando con ello que un animal jamás torturará ni matará a otro animal por placer o divertimento, cosa que no se le puede aplicar al hombre, quien parece más que emocionado por demostrar que tiene más poder que una fiera con mayores instintos de cazador. 

En resumen: tierna, preciosa, emotiva... Un filme sobre relaciones entre animales y hombres que te hace amar más la naturaleza salvaje, donde la humanidad parece que reina más que en la civilización. Dada su pretensión de no documental en ocasiones resulta algo... inverosímil, en el sentido de que difícilmente veríamos a los animales actuar así de verdad, pero esas escenas contribuyen a la trama y al mensaje y por tanto se aceptan. No te deja indiferente para nada y te muestra la otra cara de los espectáculos. La relación entre los dos tigres conmueve, pero no todo se reduce a ellos, ya que los protagonistas humanos también tienen su historia. Es casi imposible que no quieras abrazar a un tigre después de verla (tranquilos, no hiere sensibilidades, no es tan explícita).  Es una peli para disfrutar en familia y te la devoras en un suspiro.

Ficha técnica
​Dos hermanos (Deux frères)
2004, Francia y Reino Unido
Director: Jean-Jacques Annaud
Reparto: Guy Pearce, Freddie Highmore, Vincent Scarito, Mai Anh Le y los tigres Kumal y Sangha. ​

Llevo jugando al "Pito pito gorgorito" con tres películas todo el día, y al final ha ganado esta entrega de corte fantástico. 

Ruby, la última viajera del tiempo es una película de producción alemana pero ambientada en Londres, que nos presenta a la familia noble de Gwendolin Sheperd, cuya peculiaridad es que a través de ella se transmite un gen que permite viajar en el tiempo. Todo apunta a que Charlotte, prima de Gwen, es la duodécima heredera de este don y por ende destinada a entrar en la Logia del conde de Saint Germain, que posee un cronógrafo que permite controlar estos viajes. Sin embargo, cuando Gwen se desmaya un día y acaba varada en el siglo XVIII todo cambia, y es ella quien ingresa en la logia con una misión: conseguir que sus antepasados, también portadores del gen, le entreguen su sangre para completar el círculo de los doce, de forma que quien sea dueño del cronógrafo adquiera un inmenso poder. Aparte de eso, Gwen deberá descubrir por qué su prima Lucy, otra portadora del gen y causa del menosprecio a su parte de la familia, robó el otro cronógrafo y huyó con su compañero de viaje, Paul de Villiers, cuyo pariente Gideon es ahora el compañero de viaje de Gwen.
​La película es la primera de una trilogía basada en la novela de Kerstin Gier.

Bueno, a mí las historias sobre viajes en el tiempo me encantan; que si Harry Potter, que si Doctor Who, que si El ministerio del tiempo... Es más que nada por el quebradero de cabeza que suponen con tanta ruptura o mantenimiento de la línea temporal, los círculos viciosos y la sensación de que no se puede cambiar el destino. 
Pero ya que hablamos de otra adaptación vayamos al meollo, y es que hacía mucho tiempo que no disfrutaba de una peli sin querer leer el libro para satisfacerme más. No porque no me interese el libro, ojo, sino porque creo que el guion lo condensa muy, muy bien, tan bien que da escalofríos. La trama no pierde el hilo ni se aleja del tono, ni salta a escenas que no cuadran. Eso quiere decir que no hay cortes llamativos y que, si no fuera porque el argumento es muy literario (me refiero a que no sería descabellado encontrarlo en una librería) harían pensar que el guion es original y escrito explícitamente para el cine. Espero que entendáis a qué me refiero con esto (no estoy menospreciando la novela, ni por asomo). 
Y como es fantasía otra de las características en que me fijo es el world building, muy chulo porque, además de ser una cuestión de genes y de familias aristocráticas, también hay añadidos que aumentan el interés, como que a cada miembro de los doce se les asigne una piedra preciosa y un animal (Gwen es el rubí, de ahí el título. Su animal es el cuervo. Gideon, por su parte, es, como él se describe, "el más fuerte de todos": el diamante y el león). Cuando introducen su sangre en el cronógrafo para registrarse, al viajar en el tiempo los polvos de este brillan con el tono de la piedra correspondiente (un dato sin más, pero a mí me hizo tilín darme cuenta). Mientras la estaba viendo me vi rememorando algunas partes de Harry Potter y hasta de La Materia Oscura (ya sabéis, la saga en la que se basa La brújula dorada), pero también de las otras series que he mencionado, porque en esa organización lo tienen todo tan medido que hasta cuentan con una estilista de época. 
Puede que lo que me da más pena sea su humildad. No es que sea una cinta poco ambiciosa (los efectos especiales están muy bien llevados, la fotografía es más que decente y el vestuario es guay de narices), pero el hecho de no haber oído hablar de ella en la gran pantalla me hace preguntarme si el hecho de ser alemana supuso algún impedimento para venderla al mismo nivel que las hollywoodienses. No debería ser así, pero a menudo sucede que las producciones que se estrenan en un país "menos aventajado" en la industria se quedan solo en ese país, o solo cosechan éxito ahí. España es un buen ejemplo, porque aquí hay blockbusters que fuera han sido un fracaso de taquilla (aún lloro por Un monstruo viene a verme en USA, snif). Así que mi teoría es que Ruby fue concebida como blockbuster, pero se quedó a las puertas. De hecho es tan desconocida que por aquí ni se la ha visto en salas, sino directamente en casa (sé que la echaron en Cuatro una vez durante la sobremesa). Yo me la he encontrado en YouTube completita. 

En resumen: dadle una oportunidad a esta joya fantástica que tiene todos los ingredientes para que la experiencia sea chachi pistachi: misterio, aventura, magia... La protagonista es la clásica chica torpe y rebelde subestimada que luego demuestra ser de armas tomar. Es muy entretenida para pasar la tarde. Y tengo entendido que acabó teniendo éxito en Alemania, así que las otras entregas también están disponibles. Ojalá hubieran contratado a un mejor agente comercial, pero si alguien tiene más info de cómo fue el porvenir de este largometraje, que me de un toque, porque lo que he escrito hasta ahora no eran más que suposiciones. Una cosa es cierta: es muy recomendable, sobre todo si te gusta alguna de las ficciones que he mencionado. 

Ficha técnica
Ruby, la última viajera del tiempo (Rubinrot)
2013, Alemania
Director: Felix Fuchssteiner
Reparto: Maria Ehrich, Jannis Niewöhner, Veronica Ferres y Josephine PreuB

Puntuación: 9/10

Retrasé más de lo que pretendía la redacción de este post. ¿La razón? Pues no lo sé: pereza, cosas en medio, más pereza, ganas de salir a pasear... y una necesidad de darle el espacio suficiente a mi investigación. Porque, igual que sucedió con Origen, salí de la sala de cine aquel buen 1 de agosto preguntándome qué cojones había visto. Y necesitaba tiempo para digerirlo y leer reseñas para saber si era la única que se había quedado algo confusa. 
No os equivoquéis: sabía lo que había ido a ver. Había leído varios artículos sobre lo que suponía Dunkerque, no solo como retorno de uno de los directores más ambiciosos de nuestra década, sino también como mirada a un acontecimiento histórico que cambió el destino de todo el mundo, en tiempos donde la fe pendía de un hilo. Y no voy a negar que eso es lo que vi, aparte de una obra maestra capaz de introducir al espectador en la piel de cada uno de sus personajes. 
Pero, de pronto, hubo un cambio, una vuelta de tuerca que me hizo replantearme todo el esquema sobre el que se había construido esta historia épica. Pues fue cuando entendí que había más de una línea temporal. 
Es evidente que Dunkerque juega con los planos espaciales, dividiendo la acción y el conflicto en tres sectores: tierra, aire y agua. Cada sector está protagonizado por diferentes personajes que a su vez se distinguen entre rescatadores y rescatados. Este filme, no olvidemos, supone también la opera prima de Nolan dentro del drama bélico (los superhéroes y la ciencia ficción a un lado han quedado), así que si la trama ya no resulta una sorpresa debería serlo el montaje. Por eso, uno es capaz de percibir su genialidad en esa estructura bipartita, para después preguntarse qué más secretos esconde tal guion (una pena que no llegara a estos Emmys Cinéfilos). Porque en el momento en que el viejo padre (que dirige una de las embarcaciones que rescatarán a los soldados) cuenta la historia de un hijo que fue piloto, es inevitable pensar que tal vez Nolan haya sido tan cabrón como para querer colárnosla otra vez y añadir otro plano temporal (¿nadie pensó en eso, tal y como acabó Tom Hardy en la trama?). Pero parece ser que no (aunque la duda prosigue). 

De modo que lo primero que destaco es la estructura aguda e ingeniosa de la película. No solo con ella Nolan logra fomentar la tensión y el suspense, sino que además contribuye a un ritmo armónico donde la tranquilidad no es más que una máscara que a menudo se quita para mostrar la auténtica violencia y desesperación de la guerra. Además, el momento en que los planos espacio-temporales confluyen la emoción aumenta. En realidad, todo lo bueno que estoy diciendo podría condensarse en una sola palabra: ¿qué es lo que mejor se le da a este cineasta? El misterio. Y esa es la única clave que de verdad importa, ya que todo funciona para alimentarlo y dejar al público con el ansia no solo de saber qué va a sucederles a los personajes..., sino también de conocerlos a fondo.
La acción prima mucho más que el diálogo. Desde que comienza la primera escena vemos a la gente en movimiento. Y cuando están quietos, en realidad observan y analizan sus posibilidades. En tierra lo que importa es la supervivencia; en el aire, la contención. Y en el agua, la velocidad. La ausencia notoria de banda sonora en buena parte del metraje causa que participemos del temor y la urgencia que viven los protagonistas, donde vive el más listo. Pero con la atención del mundo en Dunkerque y la falta de palabras poco podemos averiguar de ellos. Tal vez sea porque, en el fondo, no importa. La historia que se quiere contar es la de los supervivientes de la Operación Dinamo, no de cómo Fulano llegó a meterse en ese lío y a salir airoso. Y esta es una de esas pocas veces en el cine en que uno empatiza con los personajes sin necesidad de conocerlos, solo por lo que hacen y lo que les ocurre. 

Christopher Nolan quería contar un episodio que le impactó siendo un alumno más de Historia y en eso se centra. Lo que le convierte en uno de los directores más geniales es que él no necesita adornar el argumento con historias personales para llenar lagunas. No es que sus personajes sean de piedra, pero con solo sus juegos estructurales y sus maniobras de ataque cubre el tiempo establecido (unas dos horas, minuto más, minuto menos). Nadie hará o dirá nada que no tenga que ver con ese momento. 
A esos elementos se une una buena interpretación por parte de TODO el elenco (sí, incluido Harry Styles). Los rostros jóvenes desconocidos impresionan especialmente por su fuerza dramática, como víctimas del conflicto que luchan por su vida. Incluso los que rescatan aportan mayor profundidad psicológica que los adultos. Nolan con ello hace hincapié en un hecho más crítico: que la mayoría de los sufridores son apenas chavales a los que la guerra ha enterrado antes de tiempo. Los de esta cinta casi podrían considerarse inexpertos comparados con los más veteranos, pero también protagonizan los peores riesgos: explorar el pueblo infestado de nazis en busca de provisiones, cruzar una pasarela destrozada para llevar a un herido a un barco, huir de un hundimiento, resistir las balas del enemigo para hacerse a la mar en un pesquero... Así que cuando Harry Styles cree que los demás van a echar pestes sobre ellos por no haber eliminado nazis y, al contrario, les felicitan y les aplauden por sobrevivir, no puedo sino unirme al coro. Y es que otra cosa que recalca este guion es que una vida vale mucho más que quitarla, y que ser capaz de conservarla teniéndolo todo en contra merece como mínimo una condecoración. 

Por tanto, sí, Nolan cumple haciendo justicia a esos héroes y, para con el público, recreándose en las técnicas narrativas. El trabajo de postproducción es increíble: la calidad de la imagen, el sonido, los planos... Los franceses critican mucho la falta de reconocimiento a estos, pero a mí me parece que en cierta medida lo hay, dado que uno de los mejores personajes (el más listo) resulta ser francés, y el final nos deja a Kenneth Brannagh aguardando por ellos. 
Me ha parecido que esta forma de contar un episodio bélico puede tener muy buen futuro. Es muy original. 

En una era donde Internet es el nuevo cazatalentos, yo me lanzo a descubrir la historia de una chica casi inconsciente de lo que esto supone. 

Jem no se llama Jem, para empezar. Ella es Jerrica y vive con su hermana Kimberly, sus primas y su tía Bailey desde el fallecimiento de su padre cuando eran niñas. Es una chica con un gran talento, que esconde hasta que un día, como prueba, decide grabarse con la cámara de su hermana, esta publica el video y se hace viral en menos de veinticuatro horas. A partir de entonces, la vida de la chica pegará un giro de ciento cincuenta grados, y aparte de manejarse con la vida de superestrella deberá descifrar el último legado de su padre: un robot inacabado al que le faltan piezas clave para mostrar un mensaje importante. 

La de Jem, como veis, es una trama muy común. La genialidad de esta película es un montaje con clara pretensión de acercamiento al público, intercalando videos de youtubers con habilidades varias (la mayoría artísticas por el tema del filme). Aparte de eso, el realismo se ve alimentado con la introducción de cameos como los de Dwayne Johnson, Chris Pratt y Jimmy Fallon (de los conocidos, al menos). ¿Qué es lo que se muestra con eso? El poder de la viralidad.
Jerrica es el ejemplo perfecto de lo que está en auge hoy en día: cuelgas un video en la red y al poco te conviertes en famosa porque mucha gente lo ha visto y compartido. Las discográficas se fijan en ti y te contratan. Antes era impensable que esto ocurriera, pero se ha acabado convirtiendo en la nueva moda, y podemos citar muchos, pero que muchos ejemplos de cantantes que han obtenido reconocimiento así (pero no voy a citarlos, je).
Es bonito que el largometraje se construya entorno a esta realidad como un eco. Aparte, toma para ello un producto de Hasbro, por lo que exalta otra de las modas presentes: películas en acción real basadas en muñecos o juguetes. En el caso de Jem y los hologramas hubo hasta serie animada, que duró hasta la caída de las muñecas. Fueron creadas en los años 80 y por ello incorporan esa moda: pelucas, maquillaje y ropa llamativa, entre el rock y el punk. 
Al frente de estas chicas está John M. Chu, famoso por darle acción y movimiento a la saga de Step Up (de la que rescata a Ryan Guzman)y a Fast & Furious. 
Regresamos al montaje para hablar de la banda sonora, pues algo realmente muy divertido e ingenioso es cómo esos videos "anónimos" callejeros contribuyen a metaforizar el enfrentamiento que acontece en la película entre Jem y su representante infumable, sea una batalla de baterías o chicos bailando. Es decir, la música casi está compuesta por youtubers que todo lo que hacen es lucir su arte. Es de lo más delicioso que tiene el filme y me hace aclamar a Chu una vez más. Todo un especialista de la postproducción (ese rollo de la cámara casera y personas desconocidas REALES hablando de su experiencia también se ha visto en Step Up).

En resumen: el argumento es simpático y entretenido, aunque nada destacable frente a otras cintas con el mismo tema (perseguir tus sueños, no dejar que la fama te nuble, etc., etc.). Por lo demás, los juegos musicales están tan bien hechos que os animo a que los descubráis y les imitéis (si es que hay algún aspirante a cineasta entre mis lectores). Las referencias a la cultura popular son muy amplias (en cierto momento sueltan sobre una canción: "Es la nueva 'Let It Go'", osea que no solo hay cameos, cuya presencia por cierto subraya aun más el carácter de superestrella de la protagonista, pues no es lo mismo que hayan escogido a Chris Pratt que... a uno de Saturday Night Live. Es como si contaran la historia de Justin Bieber, Xuso Jones y tantos otros). Las canciones originales de la peli no están mal tampoco. Vamos, que tiene todo lo que se le puede pedir y hasta ahí. Si estáis en la edad del pavo os encantará (la prota es bastante indentificable con el pueblo medio). Si no... el montaje es lo más atractivo. 

Ficha técnica
Jem y los hologramas (Jem and the Holograms)
2015, USA
Director: John M. Chu
Reparto: Aubrey Peeples, Stefanie Scott, Hayley Kiyoko, Aurora Perrineau, Ryan Guzman, Molly Ringwald y Eiza González

Puntuación: 7/10

¿Para qué escribir la típica reseña que repite lo que bien he leído en muchas otras? Para los fans de Marvel el regreso del Hombre Araña cumple con las expectativas, ofreciendo un acercamiento al sector joven de la mano de un chaval que quiere jugar a Karate Kid, con Iron Man como señor Miyagi de turno. La tercera versión del carismático superhéroe que vemos en menos de la mitad de un siglo es fresca, jovial y divertida como su protagonista. De un ambiente profesional nos trasladamos a uno académico donde la enseñanza y el aprendizaje lo son todo. Spidey esta vez no solo ha rejuvenecido, sino que además refleja muy bien el espíritu de un estudiante que quiere dar lo mejor de sí y ser reconocido por ello. Lo único es que a él no le van los trofeos, las becas ni los sobresalientes; él quiere derrotar a los malos y ser un Vengador auténtico. 
Claramente Marvel se ha lanzado a la piscina con un producto diferente a otras entregas algo más oscuras y adultas, una transición que empezó con Guardianes de la galaxia y prosiguió con Ant-Man. ¿La diferencia principal? Que en esas los protagonistas siguen siendo adultos, aunque los tomemos como niños grandes. Aquí Spidey es el lechón del grupo. Después de la seriedad de la Civil War, Peter Parker regresa a Queens a vivir como el amigo y vecino que es. El tono es de una comedia, pero no faltan la acción y las múltiples conexiones típicas del UCM (más el cameo de Stan Lee como otro amigo y vecino). Su relación con el fandom juvenil ha causado, de hecho, que sea con toda probabilidad la que ostenta el récord mayor de easter eggs vistos en este universo. Y por ello, tras estas observaciones, me lanzo a compartir aquellos que mejor recuerdo. 

1. Esto va por vosotros, Maguire y Gardfield
Que no se diga que los guionistas no recuerdan, aunque sea espoleados por Kevin Feige. El acuerdo entre Sony y Marvel obligaba a una mirada al pasado para rescatar aquellos rasgos inéditos del personaje. No obstante, la compañía tuvo tiempo de dedicar pequeños homenajes sutiles a las anteriores entregas, los orígenes del superhéroe en la gran pantalla, y por ello tenemos esa escena en la que Spidey casi se parte en dos intentando mantener unido un ferry (cual Tobey Maguire queriendo frenar un tren), esa otra donde el trepamuros se aferra con una telaraña a las víctimas que están pegándose una caída libre desde lo más alto (con mejor resultado que Andrew Gardfield) y hasta ese tipo llamado Flash (que en la versión de Sam Raimi salía con Mary Jane en el instituto). No olvidemos que Holland también se marca un encuentro con "su" chica boca abajo y máscara puesta, pero no hay beso, sorry. 
Es muy bonito que no se olvidaran de ellos. 

2. ¿Con quién te liarías, con quién te casarías y a quién matarías?
Un juego que se está haciendo muy popular entre la juventud de hoy en día y que tiene su eco en este filme, tomando como objetos, por supuesto, a los Vengadores. Durante la clase de gimnasia, Peter observa a varias chicas de su clase contestarse entre ellas y el corazón le hace boom boom cuando su fichaje alaba a Spider-Man. Por supuesto, no es la única alusión fan que hay, ya que otros miembros del equipo tienen la oportunidad de salir en los chistes y/o las bromas, como la Viuda Negra (con quien Flash tiene un rollo ficticio), Hulk, etc. Una delicia para los que también somos fans, ya que se asemejan bastante a nuestras propias gracias diarias. 

3. Qué fue de la Torre Stark
O la torre de los Vengadores, para ser más exactos. Una de las cosas buenas que tiene haberse quedado en Nueva York es que asistimos a acontecimientos simultáneos a otros de los que no fuimos testigo en su momento. Sabíamos que el superequipo tenía un nuevo complejo, pero parece ser que Tony no quiso excederse con los gastos y el mismo espacio que vio un enfrentamiento "épico" entre Hulk y Loki, más Vengadores contra Ultron, ha pasado a mejores manos. Ahora solo queda saber de quiénes son esas manos. ¿S.H.I.E.L.D., por ejemplo? Me gustaría. 

4. Un viaje por las ruinas
No económicas (aunque es lo que más afecta al antagonista), sino arquitectónicas e ingenieras. Otro de los puntos interesantes fue el indagar con la otra cara de una batalla. De lejos se ve como una auténtica coreografía con adrenalina, explosiones, patadas, golpes, etc. Digno de admirar por los luchadores que sobreviven; no se puede decir lo mismo de los edificios y las calles. Y al final, alguien tiene que limpiar el desastre. Como bien hacía hincapié cierto chiste de DC, los héroes pueden ser muy desconsiderados con las ciudades que salvan (les importa más acabar con el villano), pero el que recompone los destrozos puede llevarse una gran cantidad de trofeos: armas chitauri, tecnología punta, cascos de ultrones... Todo lo que se ha combatido en la Gran Manzana y más.

5. Profe bueno, profe malo
Porque si pensáis que Iron Man se lleva la palma en esto de la educación, nada más lejos. El multimillonario no es precisamente el primero en quien pensamos para enseñar a alguien cómo ser superhéroe. El modelo de conducta será por siempre jamás Steve Rogers, que en algún momento, entre sus misiones con S.H.I.E.L.D. y su adaptación al siglo XXI, tuvo que grabar una serie de videos tutoriales o, mejor aún, discursos para animar a la juventud (¡como en los viejos tiempos!). Al pobre Capitán no le pagan demasiado por venderse así (a Chris Evans, por otra parte, no le viene mal). Ah, y hablando del Capi...
6. La guerra civil sigue en mente
Desde los momentos instagramers de Parker hasta el final se alude al conflicto interno de la organización patrocinada por S.H.I.E.L.D. No solo vemos cómo el "yogurín" se incorporó a la guerra y recibió su súper traje, sino que además más tarde el profe de gimnasia se refiere al Capitán América como "criminal de guerra" y los Acuerdos de Sokovia se mencionaron en algún momento. Civil War supuso la introducción de Tom Holland como el Hombre Arácnido, así que no es de extrañar que le den tanta importancia. ¡Hasta aparece el pijama!

7. Nombres y voces familiares...
Spidey decidía en un momento determinado seguir el ejemplo de su maestro y darle una identidad a su Inteligencia Artificial insertada en el traje. El nombre escogido era Karen, y mi mente cambió al instante de pantalla para mostrarme a una rubia escribiendo en su portátil: "¿Qué es ser un héroe?" Porque, ¿quién más se llama Karen en Marvel? La secretaria (ahora periodista) de Matt Murdock y Foggy Nelson, personajes de la serie Daredevil que también viven en Nueva York. No solo eso, sino que además la que le pone la voz aquí es Jennifer Connelly, mujer de Paul Bettany, quien hasta hace relativamente poco puso voz a otra AI: J.A.R.V.I.S.

8. De Birdman a... ¿Birdman?
Cuando supimos que Michael Keaton interpretaría a un villano con alas y nombre de pájaro fue inevitable que lanzáramos chistes con respecto a Birdman, pues la ironía es bien grande. En esta cinta ganadora del Oscar el actor hacía de un tipo que sufría el encasillamiento por haber interpretado a un superhéroe durante años. Me pregunto si Keaton encontró también irónico o gracioso que Marvel le ofreciera ser el Buitre más adelante, y si aceptó para meterse aún más en la piel de su anterior personaje. Con todo, no creo que le vuelvan a nominar al Oscar por eso (en especial porque ahora es un malo con conciencia), aunque ¿no le aconsejó nada su compañero de reparto Edward Norton (El increíble Hulk)?

9. M.J. forever
​Sí, ya lo sé, uno de los últimos easter eggs fue un WTF total, pero tenía que estar. Parece que la trilogía original se ha quedado para siempre con la aparición de Mary Jane, la novia de toda la vida de Spidey, pero eso no quita que no se la pueda colar de algún modo en sus sucesoras. No importa que varíe el nombre; total, lo que cuentan son las iniciales... Todos sabemos que solo una pelirroja puede conquistar definitivamente el corazón de nuestro colega. 

10. Por amor a la ciencia
Vale, vale, para esta referencia me ha venido bien cierta chuleta hallada por casualidad en la red. Tony Stark, Happy, Steve Rogers y Pepper no son las únicas caras ilustres del UCM que se dejan ver en esta entrega, qué va. Durante la película hay más de una referencia a las habilidades científicas de nuestro héroe, así que ni corto ni perezoso el instituto se empapela de caras muy reconocidas de esta y otras disciplinas hermanas. Abajo podéis ver las caras de Howard Stark (oh, han quitado la versión de Dominic Cooper, lástima), el doctor Erskine (el mismo que convirtió al pelele de Rogers en una tableta de chocolate) y Bruce Banner. Qué, bonito, ¿no?

Hasta aquí llega mi lista, por ahora. Por supuesto, hay muchos más easter, pero esos ya son para los más comicqueros que se saben toda la historia del trepamuros de pe a pa. Yo no me considero una experta, así que me limito a estar atenta a lo que sé. 
​Puede que algunos sientan muy infantil esta aventura arácnida. Puede que le falte un toque de epicidad que tenían las otras. Puede que hasta los chistes resulten muy obvios... Pero no hay duda de que contiene los ingredientes para convertirla en un gran blockbuster y que es una llamada a los espectadores que más se identifican con el héroe porque comparten su edad. Lo mejor de este regreso es que se muestra desde el principio que aunque tenga unos poderes increíbles no es el más inteligente, ni el más maduro. No es perfecto, pero tiene mucho tiempo para aprender a serlo, solo es un chaval. Por eso no tiene sentido repetir aquí lo de "Un gran poder conlleva una gran responsabilidad", el mantra que se le ha aplicado toda la vida. Nadie quiere cargar con el peso de vigilar el mundo y salvarlo del mal con solo quince años, ni siquiera con treinta. El mensaje subliminal es: aprovecha cada instante de tu vida; aprende y disfruta, porque pronto descubrirás lo duras que pueden llegar a ser las responsabilidades. No quieras hacerte el machote para caer bien a la clase. Sé mejor, sé un hombre curtido, estudia... y llegarás lejos. No hay que tener superpoderes para salvar al mundo, después de todo. Es decir, hay algo serio debajo de ese tono desenfadado marca de la casa (siempre lo hay; no me canso de repetir que así funcionan las comedias). 
Mi consejo: tomaros esta película como otra más. No es el peliculón del año pero te lo pasas en grande viéndola, al final contiene sorpresas muy (des)agradables (según se mire) y solo por estas y las demás referencias hace las delicias a marvelitas de toda la vida. 

Bueno, agosto acaba de empezar y, quitando los EC, las recomendaciones de la semana y la Comic-Con, he estado bastante callada por aquí con respecto a los estrenos. Ni corta ni perezosa, espero remediarlo con este post que aglomera breves impresiones de las películas que he visto este mes (porque sí, he ido al cine. Tengo las entradas para confirmarlo). Hasta dejaré un espacio de actualización para Dunkerque, que espero ver hoy si la cosa va bien.

Colossal (fecha de visualización: domingo 9 de julio)

Una apuesta alocada y divertida por parte del cantábrico Nacho Vigalondo, que toma un casting de lo más versátil para conseguir un popurrí gamberro, serio, infantil y heroico. Sí, todo junto. Porque qué otra cosa esperar del dúo compuesto por Anne Hathaway y Jason Sudeikis, habituados tanto a la comedia como al drama. Ella se lleva la palma en esta entrega en la que debe bucear en la mente de una persona habilidosa con poca inteligencia emocional que al principio intenta levantar cabeza sin éxito, hasta que asume que para vencer lo mejor es pisotear a los demonios del pasado. En sentido literal y figurado. 
No entraré en muchos más detalles, pero el guion merece un aplauso por condensar toda esa psicología de una fracasada en un argumento divertido, fantástico y un tanto histriónico, porque ¿qué mejor forma de lograr que alguien se enfrente a sus monstruos que convirtiéndole en uno? Y no cualquier monstruo.
Es evidente que la cinta bebe de la tradición coreana, no solo por la ambientación, sino por las referencias, y la primera que se nos viene a la cabeza es Godzilla, inevitablemente. Este juego obtiene como resultado un homenaje a las historias sobre monstruos gigantes que asolan ciudades (sean escamosos o robóticos, buena parte producidos por el mercado oriental), a la vez que un planteamiento filosófico desenfadado sobre la conciencia humana. Esto último adquiere más definición entre el segundo y el tercer acto, cuando comprendemos la verdad de la situación y nos amistamos aún más si cabe con Gloria, el personaje de Hathaway. 
Dan Stevens tiene un papel muy pequeño, pero es genial verlo también en una apuesta como esta, que cumple de paso con su propósito de probar cosas diferentes (más si se alejan del Downton Abbey que le llevó a la fama).
En resumen: muy entretenida, con un giro sorprendente que satisface notablemente y añade toda esa profundidad mencionada al guion. El reparto se sale y la mezcla de géneros (comedia fantástica con tintes de drama) funciona excelentemente. Creo que el calificativo de original no sobra en este caso. 

La guerra del planeta de los simios (fecha de visualización: martes 18 de julio)

Okei maquei. Esta siempre me ha parecido una trilogía hermosa en su concepción y como lo que parece ser un cierre definitivo cumple con las expectativas. La ironía es que el título señale ya la fase de mayor enfrentamiento y en cambio sea más tranquila que sus predecesoras. Bueno, tal vez tranquila no sea la palabra. Más pausada, si cabe. Aquí el aspecto físico no tiene tanta importancia como el emocional. Por supuesto que los simios no han dejado de luchar por su supervivencia, pero César está viejo ya y más le preocupa proteger a los suyos que unirse a ellos. Más o menos. La aparición de Woody Harrelson como el Coronel lo trastoca todo. 
El viaje es pos de la venganza termina convirtiéndose en un viaje de reencuentro: con su viejo yo, sus compañeros de toda la vida y... la humanidad, a través del personaje de Nova, uno de los mejores introducidos de toda la saga. Por otro lado, es tiempo de volver a ver al cuarteto original en una última aventura. Se siente la despedida en cada obstáculo, cada bala que les golpea y cada ser fallecido. Todo parece indicar el fin, pero en verdad no es más que el comienzo de una nueva era, por lo que las referencias al filme que conocemos desde siempre son muy numerosas, más de lo que lo han sido en las dos otras partes. 
Es curiosa también la forma que tienen de justificar la "extinción" del hombre, vía ese virus que los vuelve unos simios. Y es curioso porque hay cierta crítica implícita en ello, ya que el grupo de César, animales de toda la vida, son más civilizados que los propios humanos, quienes se convierten en lo que parecen de verdad. En realidad ese siempre ha sido el mensaje de esta historia, ¿no? Como una especie de reparto de rasgos humanitarios a quienes de verdad lo merecen, porque los muestran. Cuanto más humano eres más persona pareces. Cuanto más bárbaro, más animal. Oh, yeah, cómo me encanta esa pulla. 
En resumen: un final digno con una interpretación magistral por parte de Andy Serkis. En realidad todos los simios merecen aplausos. Y los tributos al Planeta de los Simios solo provocan que queramos que esto continúe y no se acabe tan pronto. Deja con la impresión de que queda mucha historia por contar..., aunque ya nos la sepamos. 

Baby Driver (fecha de visualización: miércoles 19 de julio)

Y queda, de momento, la última de la lista (a Spider-Man Homecoming le tengo reservado un lugar de honor). 
Si Colossal integra la comedia sátira y La guerra del planeta de los simios el drama, Baby Driver condensa esos elementos a través de una trama donde el romance y la acción sacan toda la adrenalina. El peligro es constante y ello funciona como gasolina para un guion al que solo le faltaría meter una nave espacial o un dragón para tenerlo todo. Y eso lo digo porque jamás he asistido a mayor debate sobre géneros en Twitter que cuando tocó catalogar esta cinta de cara a los Emmys Cinéfilos, donde ha logrado rascar una nominación a Mejor Banda Sonora, si mal no recuerdo.  ¿Es comedia, es acción o es romance? ¿Te ríes, te peleas con los malos y te enamoras por igual? Yo diría que sí, porque la vida de Baby es así de intensa; un chaval con un problema auditivo cuya pasión comparte conmigo: la música. Esta no solo es su guía sino también su motor. Siempre he dicho que la vida es un musical, y para Baby las cosas parecen ser iguales, que no por nada tiene tantas listas de reproducción y canciones para las persecuciones de la pasma (esto me hace acordarme de la lista que tengo en el ITunes, titulada: "Canciones para carretera". Sí, tal cual, y eso que no conduzco). 
Ansel Elgort nos brinda una de las mejores interpretaciones de su corta carrera filmográfica, tal vez porque su nombre es más conocido en el ámbito musical (donde es DJ y graba covers) y son muchos los rasgos que comparte con su personaje (es decir, si el mundo de Baby es la música se podría decir que para Ansel también, o eso cuenta el chaval en varias entrevistas). Su ternura y su habilidad al volante logran como resultado un chico carismático en busca de la buena vida, donde esta no esté en continuo peligro. Junto a él está Deborah, una chica con las mismas pretensiones, cuyo humor se acomoda bastante al de Baby. Eso hace que su historia de amor sea bonita, en especial porque es la promesa de un cambio para el prota. 
¿Y qué hay del bando criminal? Kevin Spacey se luce como estratega; Jamie Foxx parece recuperar a su personaje Hijoputa Jones (de Cómo acabar con tu jefe), con tintes de Ramsay Bolton (de Juego de Tronos); John Hamm y Eiza González son los nuevos Bonnie y Clyde, y alguien debería darle tregua a Jon Bernthal, que sale tan poco...
En resumen: buen popurrí, que no pierde el ritmo en ningún momento (malo sea). Las coreografías y las mezclas son la caña. El personaje de Baby te cala hondo, es un criminal con buen corazón y mucho estilo. Es el mejor musical no musical que he visto en la vida. 

Dunkerque (fecha de visualización: hoy)